Históricamente Sevilla siempre ha tenido un peso importante en el conjunto del país. Tras el “descubrimiento” de América, la ciudad se convirtió en el centro económico del imperio español con instituciones como la Casa de Contratación de Indias y la Universidad de Mercaderes. La ciudad, tal como la conocemos hoy, es fruto de la transformación urbanística que se llevó a cabo en el siglo XVIII, durante el que se efectuaron diversas intervenciones, como la eliminación de inmuebles anejos para liberar espacios entorno a la catedral o la corrección del trazado irregular del callejero a través de la injerencia pública en las edificaciones de nueva construcción. Posteriormente, acontecimientos tan importantes como la Exposición Iberoamericana de 1929 o la Exposición Universal de 1992 fueron los que terminaron por definir la red de infraestructuras de comunicaciones de una de las ciudades más visitadas de España. Otro aspecto trascendental de la capital hispalense son sus fiestas populares, folclóricas o religiosas, con la Feria de Abril o la Semana Santa como eventos que reciben la visita de personas de todo el mundo. Todas estas características, junto con la espectacular arquitectura heredada de su pasado árabe, convierten a la ciudad de Sevilla en el escenario ideal para la filmación de cualquier producción cinematográfica. No solo han sido sus parajes, calles y monumentos los que se han utilizado como decorados, sino que también ha habido ocasiones en las que se ha representado la ciudad sin rodar en ella, simplemente recreándola con decorados en otros escenarios. Directores nacionales e internacionales revelan una pasión por Sevilla que ya viene demostrada a lo largo de casi un siglo por más de un millar de películas. Y, como es lógico, no solo sus calles y sus gentes se han visto reflejadas en las filmaciones, pues sus costumbres, sus fiestas y sus tradiciones también han tenido cabida en las historias que se cuentan en ellas. En definitiva, la capital hispalense ha sido escenario de todos los géneros que se han servido de la gran variedad de escenarios que ofrece. En realidad, en cuanto a rodajes, Sevilla fue desde los inicios una ciudad muy atractiva para el mundo del cine. La primera película datada en Sevilla se remonta a 1896, se trataba de un documental británico, ya que desde los inicios del séptimo arte hubo operadores que se desplazaron a la capital para filmar sus hábitos y costumbres, como Henry William Short, que trabajaba para la empresa inglesa de Robert W. Paul y que grabó imágenes de la Semana Santa y de corridas de toros, con títulos como Danza andaluza (1896), Sevilla, salida de misa (1896) y Toreros (1896). En 1898, el camarógrafo Alexandre Promio, enviado por los hermanos Lumière, grabó imágenes para los títulos Procesión en Sevilla (1898), Corrida de toros (1900) y Danzas españolas (1900). Y ya a partir de primeros del siglo XX, en 1916 Vicente Blasco Ibáñez decide adaptar para el cine su novela Sangre y arena (publicada en 1908) y asume por primera y única vez tareas de producción y dirección cinematográficas. La película, está producida por la marca hispano francesa Prometheus Films.

En este estudio hemos incluido numerosas películas que abarcan casi un siglo, desde 1926 hasta 2022. Durante estos cien años de cine en Sevilla y de Sevilla en el cine, la ciudad ha acogido películas de ficción y documentales, tanto nacionales como extranjeros, que han transmitido su belleza, su imagen y su realidad social. La que inaugura la selección es El patio de los naranjos (Guillermo Hernández Mir, 1926), donde son reconocibles numerosos espacios del centro de la ciudad, especialmente la Catedral. En la tierra del sol (Ramón Martínez de la Riva, 1927) está firmada por uno de los pioneros del cine documental en España con una profundidad mayor que la de los filmes testimoniales rodados a finales del siglo XIX. Completa este periodo de cine mudo en Sevilla La mujer y el pelele (Jacques Baroncelli, 1929), la adaptación menos conocida de la novela del francés Pierre Louÿs que resulta necesario reivindicar.

Durante el franquismo, Sevilla estuvo presente en el cine tanto en producciones españolas como en superproducciones foráneas, gracias a lo que se denominó ‘el Hollywood español’. Entre finales de la década de los 50 y durante toda la década de los 60, rodar en España resultaba muy interesante para el cine americano por las condiciones favorables de producción, por la diversidad paisajística del país y por la calidad de los actores y de los técnicos. De los diversos puntos de nuestra geografía Sevilla resultó elegida por muchos cineastas, como se advierte en las siguientes películas: La primera fue rodada en plena posguerra, El frente de los suspiros (Juan de Orduña, 1942), estuvo producida por Cifesa y contó con elementos de intriga criminal, folclorismo y cine bélico, incluso en plena procesión de Semana Santa; la segunda es la primera coproducción que se realizó entre España y México, Jalisco canta en Sevilla (Fernando de Fuentes, 1949), que reunió a una de las principales estrellas de la música popular del país azteca, Jorge Negrete, con una debutante Carmen Sevilla, a este respecto, resulta oportuno indicar que esta joven no tardó en convertirse en una de las actrices sevillanas más queridas y universales; en tercer lugar, se aborda Fuego en la sangre (Ignacio F. Iquino, 1953), cuyos principales escenarios se encuentran en la zona sur, como las marismas del Guadalquivir, y también en otros del centro, como el Barrio de Santa Cruz o la animada Calle Betis; Congreso en Sevilla (Antonio Román, 1955) es uno de los filmes que mejor reflejan el dinámico espíritu de la ciudad, sobre todo en el marco de un evento médico internacional donde se dan cita Fernando Fernán Gómez y, de nuevo, Carmen Sevilla; el prestigioso cineasta francés Julien Duvivier filma en 1959 La Femme et le Pantin (Femmina), fiel adaptación de la obra de Pierre Louÿs protagonizada por una Briguitte Bardot, en la cresta de la ola, que se pasea por la Feria de Abril y por los rincones de la ciudad; la sexta película abordada durante este periodo es la superproducción Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), que recurre a la Plaza de España, al Hotel Alfonso XIII y a la Casa de Pilatos para recrear espacios de ciudades como El Cairo o Jerusalén; y, por último, El viento y el león (John Milius, 1975) sitúa su trama en el norte de Marruecos en los primeros años del siglo XX, pero sus protagonistas, Sean Connery y Candice Bergen, realmente transitan por los Reales Alcázares, la Plaza de América y el Pabellón Mudéjar, que es el actual Museo de Artes y Costumbres Populares.

A partir de la Transición, la imagen que se muestra de Sevilla ha intentado ser menos estética y más realista, obviando incluso los escenarios más reconocibles y famosos de la ciudad. Así lo hicieron algunos de los cineastas españoles más importantes en unos filmes que consiguieron dar nuevos puntos de vista. Luis Buñuel rueda en 1977 Ese oscuro objeto del deseo, con Carole Bouquet y Ángela Molina, cuyo racial temperamento encuentra su dimensión espacial más auténtica en la capital hispalense. Gonzalo García Pelayo dirige a continuación Vivir en Sevilla (1978), donde intenta alejarse de los tópicos que tan famosa la han hecho para ofrecer los mismos espacios, pero ahora repletos de personas que caminan hacia la libertad. Victor Erice muestra en su segundo filme, El Sur (1983), una imagen arcádica de Sevilla, que, desde algún frio lugar del norte, adquiere protagonismo a través de unas antiguas postales costumbristas y de la voz de Rafaela Aparicio. Manuel Gutiérrez Aragón rueda en 1992 Semana Santa, que tiene un guion de Carlos Colón, cuenta con los arreglos musicales de Antón García Abril y posiblemente es el documental más brillante, cuidado y estético sobre el principal evento religioso de los que se celebran en Sevilla. Las calles del centro de la ciudad, tan bien retratadas en este documental, son las protagonistas de los dos títulos que cierran la década de los 90: Más allá del jardín (Pedro Olea, 1996) y Nadie conoce a nadie (Mateo Gil, 1999). Si bien en la primera destacan el entorno de San Juan de la Palma -con sus bares típicos y antiguos conventos-, y de la Exposición Universal de 1992, en la segunda las calles del centro, el Archivo de Indias, la Plaza del Salvador y el barrio de Santa Cruz, son los protagonistas espaciales para el cineasta canario.

La llegada del nuevo siglo ha contribuido a ofrecer estampas muy diversas, que van desde los tópicos a la modernidad, pasando por la revisión de los estereotipos. En la primera década se enmarca una de las películas del considerado ‘Nuevo Cine Andaluz’, El factor Pilgrim, dirigida por dos de los cineastas sevillanos más jóvenes y prometedores del momento y que mejor se consolidarían rápidamente después: Santi Amodeo y Alberto Rodríguez. Antonio Cuadri realiza Eres mi héroe (2003), una interesante película donde plasma el espíritu de la Transición en una Sevilla que está despertando tras el franquismo. Como no podía ser de otra forma, el mito de Carmen también está presente. Así se observa con la adaptación que realiza Vicente Aranda en Carmen (2003), con una emergente Paz Vega como absoluta protagonista en la Real Fábrica de Tabacos. La superproducción de Ridley Scott El reino de los cielos (2005) también apuesta por las localizaciones de la capital de Andalucía, especialmente por los Reales Alcázares y la Casa de Pilatos, para reconstruir la ciudad de Jerusalén. La sevillana Pilar Távora ofrece en Madre amadísima (2009) un especial retrato de la pasión cofrade a través de un personaje muy entrañable y reconocible: Alfredito. Así mismo, James Mangold recurre también a Sevilla en 2010 para rodar Noche y día, que, bajo el protagonismo de Tom Cruise y Cameron Díaz, presenta una amalgama de edificios sevillanos con fiestas del norte de España, como los sanfermines.

En los últimos diez años destacan relatos que ponen en valor el mundo de la periferia para indicar claramente que esa zona también forma parte de Sevilla, mientras que otros se siguen inclinando por mostrar la opulencia de los edificios monumentales y notorios. Patricia Ferreira apuesta en Los niños salvajes (2012) por una historia de adolescentes donde la actriz sevillana Ana Fernández y la zona del Polígono San Pablo tienen un especial protagonismo. La superproducción de Hollywood protagonizada por Sacha Baron Cohen, El dictador (Larry Charles, 2012), elige la majestuosidad de la Plaza de España para situar la vivienda del dictador protagonista. De nuevo, Santi Amodeo está presente con la comedia negra ¿Quién mató a Bambi? (2013), donde Quim Gutiérrez, Julián Villagrán y Ernesto Alterio se reúnen en una Sevilla de la que no se muestra ningún elemento reconocible. Algo parecido sucede a nivel espacial con Carmina y Amén (Paco León, 2014), pues, al estar ambientada en un barrio periférico, sus escenarios podrían pertenecer a cualquier otra gran ciudad española, pero con la diferencia de que el reparto es principalmente sevillano. Emilio Martínez-Lázaro estrena en 2014 la película más taquillera del año, Ocho apellidos vascos, donde la Calle Betis, el Puente de Triana y el Paseo de Colón constituyen la carta de presentación de la capital hispalense. Otro de los directores del Nuevo Cine Andaluz, Paco Cabezas, destaca la zona más conflictiva del barrio en Adiós (2019), una película que se desarrolla en Las Tres Mil Viviendas y en Las Vegas. El propio cartel de Una vez más (Guillermo Rojas, 2019) muestra a la pareja protagonista sentada junto al Río Guadalquivir con el Puente de Triana al fondo, lo que sin duda constituye toda una declaración de intenciones en una película donde el reencuentro amoroso se desarrolla en algunas de las zonas más conocidas y admiradas del centro de la ciudad. En El universo de Óliver (2022), el gaditano Alexis Morante ambienta la trama entre el Campo de Gibraltar y la capital hispalense en la Navidad de 1985. Y cierra la muestra la adaptación de la novela homónima de Arturo Pérez-Reverte, La piel del tambor (Sergio Dow, 2022), que comienza con una panorámica del Paseo de Colón en plena Semana Santa y se sitúa en espacios tan reconocibles como la Calle Betis o el Palacio de los Marqueses de la Motilla.

Leer sobre Sevilla y observarla en la pantalla son dos bonitas formas de conocerla, de descubrirla o de revisitarla, así que disfruten en estas páginas, déjense atraer por las películas en ellas comentadas y viajen así desde los lugares más conocidos y admirados hasta los más recónditos e inesperados. Todo eso es Sevilla, una ciudad sorprendente que atrapa con su eterno aroma a mes de abril, su aire de misterio y su marcado pasado como capital imperial. Monumentos, iglesias, museos, calles, barrios y un sinfín de rincones han servido al cine para retratarla, y, a pesar de ello, nunca han acabado de mostrarla por completo. Por este motivo siempre es necesario acercarse una vez más a ella y dejarse llevar por su eterna esencia. Que disfruten con y de la lectura.

La búsqueda de las relaciones del cine con el Rock and Roll arroja, como curiosidad, el hecho de que en la película musical Transatlantic Merry-Go-Round (Benjamin Stoloff, 1934) sonara una canción de The Boswell Sisters titulada Rock and Roll, que está acreditado como el primer uso de este término en una canción popular y que aparecía en su letra para evocar el movimiento del océano. Literalmente, el término rock and roll hace referencia a dos tipos de movimiento: por un lado, rock es un movimiento de adelante atrás y de atrás adelante (como el de una mecedora, que en inglés se denomina rocking chair); y, por otro, roll es un movimiento de balanceo vertical alternado, que, en términos de navegación, es traducido como alabeo. Un significado doble e irónico surgió en 1947 gracias a la canción Good Rocking Tonight del cantante de blues Roy Brown, cuyaversión definitiva estuvo a cargo de Elvis Presley en 1954, en la cual la palabra rocking parecía que apuntaba al hecho de bailar, pero que también podía entrañar una sutil y velada alusión al sexo. Según la Real Academia Española, el término «rock and roll» se refiere a un género musical característico y popularizado en los años 50, mientras que «rock», además de un significado que equivale a «rock and roll», puede referirse también a «cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll». Por su parte, el Diccionario de la Lengua Española reconoció el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo y, en posteriores ediciones, enmendó el término y tomó «rocanrol» como el vocablo en español derivado del inglés.

Mediada la década de los cincuenta, con el rocanrol extendiéndose de forma incontrolable, la industria cinematográfica quiso también aprovechar el filón comercial que suponía el nuevo sonido de moda y encontró la manera perfecta con la producción de películas que, en buena medida, siguieron el patrón establecido por la primera de todas ellas: Rock Around The Clock (Fred F. Sears, 1956), en la que el DJ de rock and roll Alan Freed descubre a Bill Haley & The Comets en un pueblo de montaña y los lleva a Nueva York, ciudad en la que rápidamente se convierten en un fenómeno musical. Estos filmes se caracterizaron por estar rodados en tiempo récord, contar con presupuestos generalmente muy ajustados y apoyarse en guiones mínimos que básicamente creaban interludios para introducir las necesarias actuaciones musicales de artistas como Elvis Presley, Chuck Berry, Litlle Richard, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran o Gene Vincent. A medida que el Rock se constituía en fuerza de trasgresión en el mundo durante la década de los sesenta, fueron películas como Easy Rider (Dennis Hopper, 1969) -donde la música de Jimi Hendrix, Steppenwolf y The Band acompañaba a las aventuras de Dennis Hopper y Peter Fonda- o Zabriskie Point (Michelangelo Antonioni, 1971) -donde es la música de Rock sinfónico, casi ambiental, de Pink Floyd la que trasciende en el filme- las que comenzaron a marcar la importante influencia de este género musical en el cine.

El Rock ha sido la banda sonora de películas de varias épocas. Dos ejemplos representativos son Apocalypse Now (Francis Coppola, 1974), donde la música de Creedence Clearwater Revival y los Rolling Stones sirve de contrapunto polifónico perfecto para un clima de guerra especialmente enrarecido por la surreal puesta en escena; o Malas calles (Martin Scorsese, 1973), en la que el director, que no esconde que es un fogoso apasionado del Rock, muestra cómo el género forma parte de la banda sonora de la vida y logra dar una sustancia especial al consorcio de imagen y sonido. En ese momento, los filmes de Hollywood empezaron a incluir bandas sonoras completamente rockeras y aprovecharon así el gran negocio que suponía comercializarlas en las tiendas de discos al tiempo que las películas se estaban proyectando en las salas.

Capítulo aparte son los documentales musicales de Rock, que suponen un viaje especial y que además funcionan como cápsulas del tiempo. Dos obras inolvidables son El último vals (Martin Scorsese, 1978) y Stop Making Sense (Jonathan Demme, 1984). La primera está entre los mejores documentales musicales de la historia del cine y en ella el maestro neoyorquino centró su mirada en el mundo del rock de mediados de los años 70, momento en el que filmó los conciertos de despedida de The Band. Por delante de su cámara pasaron Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond, Eric Clapton y otras míticas figuras del rock de las últimas décadas. Robbie Robertson, guitarrista y compositor de The Band, persiguió infructuosamente a Martin Scorsese para que grabase un rockumental sobre su grupo, hasta que le dijo que Van Morrison participaría en el proyecto, que fue lo que finalmente terminó de convencer al cineasta. El último vals registra la postrera actuación de la banda, si bien las canciones no siguen un orden cronológico, es decir, no se ajustan al setlist, sino que Scorsese, en una fina labor de orfebrería, engarzó música y entrevistas para lograr un hilo narrativo. A ello se añadió una minuciosa labor de montaje, en el que incluso tuvo que depurar algún detalle, como el retoque por medio de técnicas de rotoscopia con el que eliminó la cocaína que, en un momento dado, aparecía cayendo de la nariz de Neil Young. Por su parte, antes de dirigir El silencio de los corderos el cineasta Jonathan Demme recibió todos los halagos imaginables por su trabajo en el documental musical Stop Making Sense. Centrado en tres noches de actuaciones con el grupo Talking Heads, muchos lo consideran el mejor concierto jamás filmado. Todo se reduce a la original puesta en escena, al poder de la música, al vitalismo y a la energía que desprende. No hay entrevistas, no hay repaso a la trayectoria de la banda, no hay material de archivo, ni tampoco imágenes entre bastidores.

Versión Original incluye en este estudio sobre el Rock en el Cine todo tipo de sugerencias: películas centradas en el género, documentales musicales y cintas con bandas sonoras roqueras. En todas ellas las canciones, los discos, las actuaciones y las estrellas del rock son los verdaderos protagonistas. La canción Rock Around the Clock de Bill Haley and His Comets como tema principal de Semilla de maldad (Richard Brooks, 1955); Twenty Flight Rock de Eddie Cochran en La chica no puede remediarlo (Frank Tashlin, 1956); la banda sonora de The John Barry Seven en Beat Girl (Edmond T. Gréville, 1960), que, por cierto, fue la primera editada y vendida en Reino Unido como LP; las actuaciones de The Who o los delirios psicodélicos de bandas como Country Joe and The Fish sobre proyecciones caleidoscópicas en Monterey Pop (D. A. Pennebaker, 1968); el concierto de Jimi Hendrix en Woodstock, que tiene como momento culminante una improvisación que desemboca en su interpretación del himno americano a la guitarra eléctrica que acabaría por convertirse en uno de los momentos más emblemáticos de la historia del rock, en Woodstock, 3 días de paz y música (Michael Wadleigh, 1970); el disco doble, con 41 temas, que la Universal pondría a la venta de la banda sonora de American Graffiti (George Lucas, 1973) con The Diamonds, The Beach Boys, Chuck Berry, Buddy Holly y un largo etcétera; las canciones de The Juici Fruits, Winslow y Phoenix interpretadas por el elenco de El fantasma del Paraíso (Brian De Palma, 1974); las actuaciones de las bandas japonesas The Stalin, The Roosters y The Rockers que se filmaron en Niman Volt, un minúsculo club que todavía pervive ofreciendo la misma música alternativa, en Burst City (Sôgo Ishii, 1982); la inconfundible figura de Iggy Pop, que en alguna escena ayuda al protagonista en una de sus tantas caídas en Sid y Nancy (Alex Cox, 1986); las actuaciones de Moody Blues o Jethro Tull, que representaban lo que se conocería como rock progresivo, y el debut de Emerson, Lake & Palmer en Message to Love: The Isle of Wight Festival (Murray Lerner, 1997); hits de los Van Halen o los AC/DC, e incluso el concurso del inefable Ozzy Osbourne, antiguo vocalista de Black Sabbath, en Little Nicky (Steven Brill, 2000); la gira que cubre un joven periodista de la revista Rolling Stone en Casi famosos (Cameron Crowe, 2000); la emblemática canción Love Will Tear Us Apart de Joy Division en Donnie Darko (Richard Kelly, 2001); Led Zeppelin, The Doors, Ramones, The Darkness en la editada banda sonora de Escuela de rock (Richard Linklater, 2003); la interpretación de Joaquin Phoenix en el biopic sobre la vida musical de Johnny Cash, que culmina con su mítico concierto de 1968 en la prisión de Folsom, en En la cuerda floja (James Mangold, 2005); los cameos de Roonie James Dio, Meat Loaf y Dave Grohl en Tenacious D: dando la nota (Liam Lynch, 2006); David Bowie, Roxi Music, Sex Pistols, The Velvet Underground y New Order en la banda sonora de Control (Anton Corbijn 2007), película sobre el final de Ian Curtis, el enigmático líder de la banda Joy Division; las canciones de Def Leppard, Poison, Journey, Twisted Sister, Bon Jovi, Foreigner, Night Ranger y Whitesnake en La era del Rock (Adam Shankman. 2012); el protagonismo de la banda de rock lituana Antis, con su líder Algirdas Kaušpėdas al frente, en el documental How We Played the Revolution (Giedrė Žickytė, 2012); Leonard Cohen, Nick Cave o Tom Waits en la banda sonora de Alguien a quien amar(Pernille Fisher, 2014), en la que una estrella del rock vuelve a su país de origen para grabar un nuevo disco; un joven músico, que creció escuchando Led Zeppelin, T-Rex y David Bowie, tratando de hacerse un nombre entre las bandas del rock ruso en Leto (Kirill Serebrennikov, 2018); el homenaje a la vida y obra de Freddie Mercury, una de las grandes estrellas internacionales del pop y el rock, en Bohemian Rhapsody(Dexter Fletcher, 2019); Rocketman (Dexter Fletcher, 2019) sobre la vida y obra de Elton John; Rock por mil. La banda más grande del mundo(Anita Rivaroli, 2020) sobre el intento de un fan del rock de convencer a los Foo Fighters para que actúen en su pequeño pueblo de Italia, creando a tal fin la mayor banda de rock del mundo; Bill y Ted salvan el universo (Dean Parisot, 2020) y sus dos aspirantes a rockeros, que creen que su talento natural componiendo canciones de rock salvará al mundo; y, por último, las espectaculares actuaciones del rey del rock interpretadas fielmente por Austin Butler en Elvis (Baz Luhrmann, 2022). Que disfruten de la música y de la lectura.

La historia de nuestros números es muy antigua. No se sabe con certeza cuánto tiempo hace que los humanos comenzaron a usarlos, pero lo que sí podemos asegurar es que desde el principio el hombre necesitó palabras para expresar cantidades. Como no hay registros escritos de la época en la que el lenguaje se desarrolló, es imposible saber cuándo comenzó el uso de los números. Nuestro sistema de numeración actual es el sistema decimal y posicional, nacido en la India en el año 5 a. C. En sus viajes comerciales por la India los árabes se encontraron con un libro sobre aritmética escrito por un hindú y tradujeron el sistema para empezar a usarlo ellos. Este sistema recorrió Europa hasta llegar a España en el siglo X con su entrada por Córdoba. Se dice de él que es posicional, ya que el valor de una cifra depende del lugar que ocupe. También es decimal, dado que diez unidades de un determinado orden equivalen a una unidad del orden superior. Se trata de uno de los sistemas más antiguos y básicos, pues no en vano en él se utilizan los 10 dedos de la mano. Como el libro que introdujo estos números en Europa venía de Arabia, son llamados números arábigos. El símbolo que ha sido constante a través de todos los tiempos, y que continúa siéndolo hoy en día, es el usado para designar el “1”. Bien fuera horizontal o vertical, todos los pueblos antiguos, como los griegos y los romanos, tuvieron un símbolo semejante al nuestro. Y, por su parte, los símbolos “2” y “3” también se parecen a los actuales, pudiendo tener su origen en el resultado de escribir rápidamente dos o tres barras que terminaban quedando conectadas.

Los números nos rodean y están presentes en todos nuestros actos, así como nos afectan e influyen en nuestras decisiones. En la vida cotidiana nos encontramos con infinidad de situaciones en las que aparecen los distintos tipos de números, por no dejar de mencionar la cantidad de operaciones que debemos hacer constantemente con ellos: los decimales los podemos encontrar en el peso y en la longitud de un/a recién nacido/a; los naturales en el número del calzado o en la talla de la ropa; los enteros en la altitud y en la profundidad, en la temperatura o en el panel de un ascensor; las fracciones en las medidas de las cantidades de una receta… Existen también los números racionales, los irracionales, los positivos, los negativos, los números algebraicos, los imaginarios, los complejos, los transcendentales… Y, algo menos conocidos, tenemos igualmente los números casi perfectos, los modulares, los armónicos, los alfaméticos, los primos, los compuestos, los congruentes, los cúbicos, los deficientes, los números abundantes y los números amigos.

La obsesión por los números y su estudio por parte de los primeros matemáticos incluso dio lugar a la numerología, un conjunto de creencias o tradiciones que pretende establecer una relación oculta entre los números, los seres vivos y las fuerzas físicas o espirituales, que ya hace tiempo que dejó de ser considerada una disciplina matemática por la comunidad científica. En numerología se dice que los números son uno de los conceptos humanos más perfectos y elevados, y, según quienes la practican, es la disciplina que trata de investigar la «vibración secreta» de ese código y de enseñar a utilizar los números en su beneficio por medio del estudio de su influencia sobre personas y animales. Así mismo, cada número tiene un significado y tiene ciertas características, las cuales designan cosas. Por ejemplo, la suma de los dígitos de la fecha del nacimiento de una persona da un número del 1 al 9 -si es mayor se han de sumar los números que lo componen- y el número obtenido ofrecerá una descripción sobre su personalidad, habilidades y debilidades, así como de la forma en la que se relacionará con sus semejantes.

En el año 530 a. C., Pitágoras, el filósofo griego, desarrolló de forma metódica una relación entre los planetas y su «vibración numérica». La denominó «música de las esferas». Mediante su método de numerología afirmó que las palabras tienen un sonido que vibra en consonancia con la frecuencia de los números, como una faceta más de la armonía del universo y de las leyes de la naturaleza. Según los numerólogos, los números son mucho más que una forma de medir o de cuantificar lo que existe a nuestro alrededor. Si nos damos cuenta, todo nuestro alrededor está regido por números: el número de inscripción en el registro civil, la fecha de nacimiento, el número de teléfono, el de la Seguridad Social… Es por esto que algunos sabios se han dedicado a observar la influencia de los números en las personas. Así lo hizo el propio Pitágoras, quien creía que el universo debía ser visto como un todo armonioso, un conjunto que emite un sonido, una vibración. Así, los números del 1 al 9 están asociados a características específicas, que juntas abarcan toda la experiencia de la vida.

Muchas películas han estado relacionadas con los números. La presencia de esas cifras en el cine es lo que queremos analizar en esta selección de filmes, en los que los números tuvieron algún tipo de papel fundamental, bien sea en sus títulos: Ocho sentencias de muerte (Robert Hamer, 1948), El asesino vive en el 21 (Henri-Georges Clouzot, 1942), Número 9 (Shane Acker; 2009), 70 Binladens (Koldo Serra, 2018), 99 mujeres (Jesús Franco, 1969), Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), Nueve vidas (Rodrigo García, 2005), El número 23 (Joel Schumacher; 2007), 13 Tzameti (Géla Babluani, 2005); bien desempeñando un papel determinante para el desarrollo de sus tramas: 12:08 al este de Bucarest (Corneliu Porumboiu, 2006),  Une simple histoire (Marcel Hanoun, 1959), Las joyas de la familia (Jerry Lewis, 1965), Lecciones inolvidables (Ramón Menéndez, 1988), Air. La historia detrás del logo (Ben Affleck, 2023), El cuarenta y uno (Grigori Chujrái, 1956), La soledad de los números primos (The Solitude of Prime Numbers), 387 (Madeleine Leroyer, 2019), Margin Call (J.C. Chandor, 2010), Cortina rasgada (Alfred Hitchcock, 1966); o bien porque sus protagonistas deben usarlos para lograr la resolución de un problema o de un enigma: I Origins (Mike Cahill, 2014), Cube (Vincenzo Natali, 1997), El indomable Will Hunting (Gus Van Sant, 1997), El hombre que conocía el infinito (Matt Brown, 2015), THX 1138 (George Lucas, 1971), The Imitation Game (Morten Tyldum, 2014), Una mente maravillosa (Ron Howard, 2001), Pi, fe en el caos (Darren Aronofsky, 1998), La teoría del todo (James Marsh, 2014), La habitación de Fermat (Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña, 2007). Esperamos que esta suma de letras, números e imágenes sea de vuestro agrado y, sobre todo, que disfrutéis con y de la lectura.

A continuación os dejamos con una relación de los números de Versión Original. Simplemente apuntar que este ejemplar que publicamos es el número 328, así que sus 3 cifras suman el número 13, que es el día en el que nací y el número que me ha seguido a lo largo de mi vida -quizás convenga no dejar de prestar algo de atención a la numerología-. Y, para terminar con la cuestión numérica, tampoco cabe olvidar que este monográfico se suma a la celebración del 30 aniversario de V.O., la única revista temática de cine que hasta la fecha ha publicado 7.466 referencias de películas, y, lo que es aún más importante, en la que actualmente trabajan desinteresadamente 50 personas, que son las que en este 2023 forman la familia Versión Original.

En Viaje al paraíso (Ol Parker, 2022), los célebres y oscarizados Julia Roberts y George Clooney son una pareja divorciada que viaja a Bali para impedir que su hija, enamorada de un nativo y de las frondosas montañas, playas y arrecifes de coral de la isla de Indonesia, contraiga matrimonio. La película no se pudo rodar en Bali por las restricciones Covid del país asiático, lo que provocó que su filmación tuviera que desplazarse a Australia. La playa a la que llega la pareja estrella, un oasis de agua cristalina y arena blanca, es Honeymoon Bay (Bahía de la Luna de miel), aunque la mayoría de las escenas transcurren en la isla Hamilton, en el archipiélago Whitsunday. El pequeño hotel donde se hospedan es uno de los decorados principales en el que solo tuvieron que recrear y redecorar un poco los bungalows para que tuvieran un aspecto más balinés, consiguiendo que finalmente Australia parezca Bali, a lo que también ayuda que, por un lado, se pudieron rodar paisajes de la isla indonesia con una segunda unidad local para incluirlos en la película y, por otro, que contaron con asesores para que nada desentonase desde los rituales de la ceremonia a la decoración o la gastronomía. 

 Versión Original publica el número 327 dedicado a “Paraísos en el Cine” en su 30 aniversario. En este estudio podría incluirse la película antes mencionada, pues se ocupa de rodajes que nos llevan a lugares ideales, a paraísos de nuestro planeta. Las que sí encontraremos son: Los descendientes (Alexander Payne, 2011), protagonizada también por George Clooney, cuyo personaje se enfrenta a la difícil decisión de vender las propiedades que la familia posee en Hawai (Kipu Kai Beach), unas tierras vírgenes de un valor incalculable; Horizontes perdidos (Frank Capra, 1937), en la que varios pasajeros, entre los que se encuentra un joven diplomático inglés, sobreviven a un accidente aéreo en el Himalaya y, cuando creen que la muerte es inevitable, son rescatados por los habitantes de Shangri-La, una idílica y utópica comunidad que vive oculta en el Tíbet; Su majestad de los mares del Sur (Byron Haskin, 1954), que tiene por protagonista a un marinero abandonado en un bote a la deriva en medio del mar, que es rescatado por los nativos de una pequeña isla polinesia y, con el tiempo, se convertirá en el rey del paraíso; Indochina (Régis Wargnier, 1992), cuyo telón de fondo es la gestación de la revolución comunista que con su estallido provocó el fin de la colonización francesa de Indochina y el nacimiento de Vietnam en 1954. En ella encontramos a Eliane (Catherine Deneuve), una elegante mujer de ascendencia francesa, propietaria de una inmensa plantación de caucho en la península del sudeste asiático; Paraíso: Amor (Ulrich Seild, 2012) comienza con el viaje vacacional de Teresa (Margarethe Tiesel) hacia una zona costera en Kenia en busca de unos días de descanso y de sexo en las maravillosas playas del este africano; Bajo la lluvia (Lewis Milestone, 1932) es la historia de un grupo de pasajeros que, a causa de un brote de cólera, deben abandonar el barco en el que están atravesando el Pacífico para permanecer dos semanas en la remota isla samoana de Poga-Poga; Bearn o la sala de las muñecas (Jaime Chavarri, 1983) nos traslada a Mallorca en una época marcada por un agitado proceso de transformación, durante la que los señores pertenecientes a la aristocracia rural mallorquina viven y sueñan en sus tierras alejados de los acontecimientos del mundo; El lago azul(Randal Kleiser, 1980) y sus escenas submarinas se filmaron en Jamaica, en la isla Comino de Malta, y en las islas Fiji, concretamente en la isla privada de Nanuya Levu, también conocida como isla Tortuga; Los últimos días del Edén (John McTiernan, 1992) toma como escenario lo más profundo de la selva tropical del Amazonas, donde el veterano investigador Robert Campbell (Sean Connery) vive y trabaja tratando de encontrar un remedio contra el cáncer; El prodigio (Sebastián Leilo, 2022) nos lleva a las Midlands irlandesas, a una apartada casa en la que Anna O´Donnell, de once años, deja de comer durante cuatro meses pero permanece milagrosamente viva y con buena salud; Tiempo (M. Night Shyamalan, 2021) parte de la excursión de un grupo de turistas que es llevado a una playa paradisíaca para pasar una jornada de sus vacaciones, un paraíso perdido en el que sucederán acontecimientos insospechados; La playa (Danny Boyle, 2000) narra la aventura de un joven mochilero (Leonardo DiCaprio) que, impulsado por el deseo de vivir experiencias y emociones apasionantes, viaja a una hermosísima isla en Thailandia que nunca ha sido profanada por los turistas; Avatar: El sentido del agua (James Cameron, 2022) nos lleva de la paz de los bosques de la figurada Omaticaya hasta las aguas del arrecife Metkayina en la costa oriental de Pandora, la quinta luna del gigante planeta gaseoso Polifemo; y La misión(Roland Joffe, 1986) nos conduce a una jungla tropical junto a las cataratas de Iguazú, entre la provincia argentina de Misiones, el estado brasileño de Panamá y el departamento paraguayo de Alto Paraná. Junto a todas estas películas, un capítulo especial merece el cineasta norteamericano Terrence Malick, quien en sus obras habitualmente nos presenta a la naturaleza en todo su esplendor y plenitud, como un luminoso jardín donde reina la armonía y en el que el tiempo parece haberse detenido. Este maravilloso reflejo de nuestro entorno parece ser que obedece a la idea de que la naturaleza no deja de ser un espejo de la propia bondad divina o, lo que es lo mismo, de su creador. En todas ellas el tema del paraíso, ya sea visto desde un punto de vista mundano o espiritual, está muy presente. En las páginas de este número, las películas referenciadas de este director norteamericano son La delgada línea roja (1998) y El nuevo mundo (2005) en las Islas Salomón en la Melanesia, y Vida oculta (2019) en el pequeño pueblo de Sankt Radegund en Austria.

Por otra parte, también encontramos recomendaciones de películas en las que los protagonistas buscan su paraíso personal, un lugar donde la vida les sea más soportable. En Entonces los condené a todos a la muerte (Sergiu Nicolaescu, 1972), ese lugar es una aldea rumana donde vive con suma simpleza el joven Ipu y su tiempo son los últimos días de la ocupación alemana. Para Tori y Lokita (Jean-Pierre y Luc Dardenne, 2022), un niño y una chica adolescente llegados solos de África, lo va a ser  Europa, donde tendrán que confrontar su invencible amistad con las difíciles condiciones que les ofrece el que pensaban que iba a ser su paraíso personal. En Wonderful Paradise (Masashi Yamamoto, 2020) el refugio de un vagabundo será la fiesta familiar en la que le acogen bajo la premisa de que está bendecido por la presencia del mismísimo Buda. Un campamento minero de California es el edén para un granjero de Michigan y un buscador de oro en La leyenda de la ciudad sin nombre (Joshua Logan, 1969), en ella ambos encuentran un destino en el que podrán compartir esposa, robar y beber alcohol sin ser juzgados. En The Quiet Girl (Colm Bairèad, 2022), la casa de unos parientes lejanos será el refugio y el descubrimiento de otra forma de vida para una reservada niña de nueve años desatendida por su familia. Eroski Paraíso (Jorge Coira, Xesús Ron, 2019) fija su lugar ideal en la sala de fiestas Paraíso de la localidad de Muros (A Coruña), donde el joven cineasta Álex quiere aprovechar el sitio en el que se conocieron para filmar un documental sobre sus padres. En Boleto al paraíso (Gerardo Chijona, 2011) son Eunice, una adolescente que huye del acoso sexual de su padre, y Alejandro, un joven rockero que, después de robar en una farmacia, se dirige a La Habana con un par de amigos, quienes se encuentran en la carretera y emprenden juntos la búsqueda del Paraíso. El bosque Nacional de Mont Hood en Oregón es el enclave en el que dos amigos buscarán recuperar su antigua amistad en Old Joy (Kelly Reichardt, 2006). Paraíso (Andrey Konchalovsky, 2016) expone tres paraísos: el ofertado por el nacionalsocialismo, que se revela como un monstruoso infierno; el socialista, que simplemente parece seguirle los pasos; y el religioso, que es al que aspira la protagonista y que queda al albur de la fe. Y, en El estado de la Unión (Frank Capra, 1948), será Estados Unidos el paraíso para el personaje que protagoniza Spencer Tracy, un lugar donde divertirse, reír y disfrutar de los valores americanos.

Por último, este ejemplar no se olvida del Jardín del Edén, donde, según la Biblia, vivieron Adán y Eva. Así nos lo recuerda La Biblia… en su principio (John Huston, 1966), donde vemos cómo después de la creación de la Tierra en tan solo siete días Dios reserva un espacio idílico para su máxima creación: Adán (Michael Parks), el primer hombre, al que luego, como nacida del sueño de este, se une Eva (Ulla Bergryd), la primera mujer. Y tampoco Versión Original omite la existencia de esos otros paraísos aún más terrenales, los fiscales: The Laundromat: Dinero sucio(Steven Soderbergh, 2019), basada en el escándalo de los llamados “papeles de Panamá”, nos explica cómo funcionan esos territorios al servicio de la ocultación de las grandes fortunas y de los patrimonios de sospechoso origen, el edén en la Tierra de la codicia y de la corrupción. Que disfruten con y de la lectura.

En 2014 la Fundación Rebross dedicó el ejemplar número 18 de la Colección de libros Versión Original a los “Vinos de Cine”. El autor del libro fue Francisco Javier Martín Camacho, que lo tituló Laberinto de luz y vino tinto, adaptación del siguiente verso de la canción Y sin embargo de Joaquín Sabina: “Porque una casa sin ti es una embajada/ el pasillo de un tren de madrugada/ un laberinto sin luz, ni vino tinto…”. El Festival de Cine Español de Cáceres lleva celebrando desde 2007 “Las Jornadas Gastronómicas Platodecine”, una actividad benéfica donde las bodegas más relevantes del panorama vitivinícola extremeño presentan los vinos de su última añada. En junio de 2023, coincidiendo con la celebración del 30 aniversario de Versión Original, os presentamos un número especial dedicado a “Vinos en el Cine”. Estas son hasta la fecha las acciones con las que la Fundación ReBross ha homenajeado a esta bebida tan popular, cuya elaboración es un proceso milenario, la fermentación del zumo de la uva, que con los años ha llegado a alcanzar un nivel de complejidad y unos estándares de calidad verdaderamente sorprendentes.

Vinos en el Cine es el número 326 de Versión Original, que incluye recomendaciones de películas donde el vino, su elaboración y sus bodegas tienen una presencia reconocible a través de textos que reflexionan acerca de cómo el séptimo arte ha reflejado la indisoluble relación entre la cultura humana y la cultura del vino. Desde diferentes puntos de vista y bajo diversas formas, son innumerables los filmes que han representado la presencia y la importancia del vino en nuestra historia y en nuestra cultura. De todas ellas, los colaboradores de Versión Originalhan seleccionado las que pasamos a relacionar. Las rebeldes del vino (Déborah Vukušić, 2022) es la historia de cinco rebeldes: Esther Teijeiro, la primera en inscribir su vino en la Denominación de Origen Ribeira Sacra y en hacer vino ecológico en Galicia; Pilar Higuero, una andaluza de nacimiento y gallega de adopción, que ha encontrado en Sabarís el paraíso perfecto para hacer de su vino y de su vida un amor biodinámico; Paloma Rodríguez Moure, una artesana artista, de cuarta generación, que quiere dejar su impronta en las botellas y colocar a la bodega en profunda conexión con el terreno; Laura Lorenzo, una hippy luchadora que sigue a Masaru Emoto y que, atrapada por la montaña de Manzaneda, se va a haciendo a base de esfuerzo con las tierras y con el respeto del vecindario; y la sumiller perfeccionista que conduce el documental, Elísabet Castro, que va reformulando el restaurante familiar a golpe de cariño. En Noche de vino y copas (Ole Christian Madsen, 2011), su protagonista cree que la uva malbec, que le producía el rechazo más absoluto, es una de las variedades más especiales del mundo y desea importar los vinos que genera para venderlos en su tienda de Dinamarca. En Tierra (Julio Medem, 1996) la presencia del vino, de las vides, de los caminos polvorientos y de la tierra roja dota al relato visual de una tonalidad aún más apegada a lo material; la fisicidad, el carácter orgánico, se concreta aquí en los vasos de vino oscuro.Vendémiaire (Louis Feuillade, 1918) está dividida en tres partes que coinciden con todo ese proceso de elaboración del vino: la viña, la fermentación y el vino nuevo; de esta manera, la evolución de la historia discurre en paralelo a los avances de la fabricación del valioso brebaje. La invitación (Karyn Kusama, 2015) se estructura en dos partes claramente desiguales a nivel temporal, siendo la primera, que es la más larga, la que servirá para presentar a los numerosos personajes mientras conversan relajados en el aperitivo, previo a la cena, regado con varias botellas de Château Lafite Rothschild de 1985, un caro vino francés omnipresente durante toda la película. En Nuestra vida en la Borgoña (Cédric Klapisch, 2017), los tres protagonistas recuperarán su armonía, suplirán sus ausencias, evolucionarán y madurarán casi al mismo tiempo que lo hace el vino que producen. Al compás de las estaciones que se van sucediendo, no solo se observa el habitual cambio en los campos, sino también la manera de aquéllos de enfrentarse a sus contrariedades. Una partida de campo (Jean Renoir, 1936-1946) cuenta un día de campo de la familia Dufour, comerciantes parisinos, que llegan a una casa de comidas en la que piden un suculento menú regado por dos litros de vino de la casa y una botella de Burdeos. En Esta tierra es mía (Henry King, 1959) un gran plano general con travelling hacia adelante muestra una enorme extensión de viñedos. La película cuenta con diversas escenas centradas en el trabajo que realizan los jornaleros, en la bodega y en el esfuerzo para sacar el trabajo adelante. La enóloga protagonista de El año del cometa (Peter Yates, 1992), que revela un olfato y un paladar para el borgoña que eclipsa a todo el mundo, desea conocer todo lo referente al Château Lafite Rothschild, considerado el mejor Burdeos procedente del mayor viñedo de vino tinto del mundo. En Noche de vino tinto (José María Nunes, 1966), un joven le propone a una desconocida viajera que le acompañe en un viaje donde le enseñará diferentes formas de beber el vino: a pequeños sorbos o de un solo trago; mirándose a los ojos, con los ojos cerrados o vendados; dando de beber de su copa cada uno al otro con los brazos entrelazados o bebiendo cada uno a su ritmo; en vaso, en copa o en porrón. El secreto de Santa Vittoria (Stanley Kramer, 1969) es una obra en la que el vino es un tema constante. El primer plano de este largometraje nos deja ver a unos ancianos bebiéndose una copa de vino y el desenlace nos cuenta cómo Anthony Quinn le regala una botella del vino local a los alemanes invasores como sarcástico regalo de despedida. Sour Grapes (Reuben Atlas y Jerry Rothwell, 2016) ofrece otras facetas del vino, convertido en algunos círculos en un bien de inversión e incluso en un instrumento al servicio de una estafa multimillonaria. Guerra de vinos (Randall Miller, 2008) está basada en la batalla real de los vinos blancos durante la célebre “Cata de vinos de París” de 1976, cuando el vino californiano del valle de Napa derrotó al hasta entonces imbatible vino francés; fueron once los jueces que otorgaron la puntuación más alta a los chardonnay de Chateau Montelena. En El primer día del resto de tu vida (Rémi Bezançon, 2008), el director tiene la delicadeza de tratarnos con inteligencia y sólo precisa de dos objetos: una fotografía y una botella de vino de un año muy especial.  Aquel querido mes de agosto (Miguel Gomes, 2008) comienza como una muestra de la realidad del mes de agosto en la región del centro de Portugal, tierra de vinos. Este aparente documental del imaginario rural portugués sirve como caldo de cultivo sobre el que la historia crece y se desarrolla ante la cámara de una manera tan vital y desenfadada como pocas veces se ha visto en la gran pantalla. Entre copas (Alexander Payne, 2004) es una comedia dramática llena de matices en la que el carácter del caldo sobresale gracias a un Paul Giamatti en estado de gracia, que comanda la función encarnando al protagonista del filme, un profesor de secundaria que enseña lengua y literatura inglesa, cuya mayor aspiración es encontrar su sitio como escritor, que siente también una gran devoción por la cultura del vino y que es un experimentado catador. Un paseo por las nubes (Alfonso Aráu, 1995) nos deleita con hermosos paisajes de vides, de uvas, de vino, de bodegas y barricas, sumergiéndonos en todo ese devenir, casi mágico, de la vida en un viñedo. En Marcelino, pan y vino(Ladislao Vajda, 1954), el niño protagonista, abandonado en la puerta de un convento, es adoptado por los frailes. En el desván del monasterio entabla relación con una imagen de Cristo crucificado, al que lleva pan y vino, ya que considera que está muy delgado. El director de Borgman (Alex van Warmerdan, 2013) trata de mostrar la representación de la perversidad y el vino le sirve como recurso simbólico al exponerlo de diversas maneras, incluso llegando a proporcionarle el papel de jugo emponzoñado. En El menú (Mark Mylod, 2022), los más refinados vinos y los más sorprendentemente elaborados platos se van sucediendo mientras la cámara salta de una a otra mesa mostrando a los invitados y sus cuitas personales. Un buen año (Ridley Scott, 2006) es un filme que sigue a Russell Crowe, un banquero de inversión londinense que hereda una propiedad vinícola en la región de Provenza, Francia, de la que se enamorará descubriendo su pasión por el vino. En Cuento de otoño (Éric Rohmer, 1998) el vino ocupa además una esfera especial, concretamente, el espacio en el que se asienta el viñedo de Magali, que no solo es el lugar donde acontece la acción, sino que captura a la perfección el respeto a ciertos tiempos y tradiciones, la admiración por la pausa y por la manipulación cuidadosa, que más que añorar la riqueza, moldea artística y respetuosamente los recursos, en este caso, las viñas. En La playa de los ahogados (Gerardo Herrero, 2014), el detective Caldas acude a comer a casa de un ex comisario que le ayuda a conocer los entresijos de las corrientes marítimas de la costa. Tras una charla centrada en un homicidio, ambos se sientan a una mesa bien surtida de centollos y regada con albariño. En La leyenda del santo bebedor (Ermanno Olmi, 1988), su realizador aporta un detalle de cosecha propia, que no por pequeño resulta menos importante: la decisión de dar protagonismo al vino tinto como la bebida por excelencia de la película. Esta decisión contrasta con lo que aparece en el relato que adapta, que das más relevancia a la absenta y, además, aparte del propio vino, menciona otras bebidas, como el aguardiente o el coñac. En Tocando fondo (James Ponsoldt, 2012), la relación de una joven pareja, unida por su amor a la música, la diversión y la bebida, se pondrá en peligro cuando uno de los dos decide dejar de beber. En Moulin Rouge (John Huston, 1952), Henri de Toulouse Lautrec pasa las noches tomando apuntes sobre las bailarinas, mientras bebe vino y acaba a veces en lamentables condiciones. Para el pintor, estar en el local es necesario, porque le sirve de inspiración para crear. Que disfruten con y de la lectura.

En su 30 aniversario, la revista de cine Versión Original deseaba publicar un estudio dedicado a “Museos en el Cine” para sumarse así a la celebración del Día Internacional que fomenta el Consejo Internacional de Museos (ICOM), cuyo objetivo es concienciar a las personas acerca de la relevancia que tienen estos espacios en la divulgación del conocimiento y de la cultura universal de la humanidad. El tema del Día Internacional en este 2023 es “Museos, sostenibilidad y bienestar”. Estos edificios del arte contribuyen de manera fundamental al bienestar y al desarrollo sostenible de nuestras comunidades. Como instituciones de confianza e importantes hilos en nuestro tejido social compartido, están en una posición única para crear un efecto cascada que fomente el cambio positivo. Los museos pueden contribuir de muchas maneras a la consecución de los Objetivos de Desarrollo Sostenible: desde el apoyo a la acción climática hasta el fomento de la inclusión, pasando por la lucha contra el aislamiento social y la mejora de la salud mental.

Museos en el Cine será el número 325 de Versión Original, que incluirá recomendaciones de películas donde estas instalaciones de la cultura tienen una presencia reconocible -tanto el edificio como sus dependencias- junto a textos que reflexionan cómo el séptimo arte ha admirado estos espacios y las obras que albergan. En este estudio se podrían incluir cientos de películas, de todas ellas los colaboradores de Versión Originalhan seleccionado veintiséis en las que el museo no es un simple escenario sino un personaje principal, en cuyos pasillos y estancias transcurren y finalizan persecuciones, donde sus trabajadores también son protagonistas de los filmes, en los que grandes artistas trabajan para que sus obras puedan ser expuestas y compartidas, donde matrimonios en crisis hacen turismo cultural en busca de una posible reconciliación, donde desequilibrados personajes comenten sus asesinatos en presencia de figuras y objetos modelados con cera, donde los intelectuales encuentran el perfecto escenario para demostrar sus amplios conocimientos, en los que los jóvenes simplemente se entregan a la felicidad de pasar un buen rato y en cuyas salas los ladrones se afanan por sustraer las obras de mayor valor. 

Muchos son los directores que  admiran los museos y que han contribuido a que se les reconozca como importantes divulgadores de la historia de la humanidad. Por ejemplo, Jim Jarmusch, en Los límites del control (2009): un hombre misterioso que vive al margen de la ley llega a Madrid y visita el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía poniendo atención en tres cuadros: El violín (1916) de Juan Gris, Desnudo femenino (1922) de Roberto Fernández Balbuena, y Gran sábana (1968) de Antoni Tàpies. Cada uno de ellos funciona como referencia -y reafirmación- de momentos visuales -precedentes o posteriores- del filme. Danny Boyle, En trance (2013): el cuadro robado en la película es Vuelo de brujas (1797) de Francisco de Goya, perteneciente al Museo Nacional del Prado. Brian De Palma, en Vestida para matar (1980): aquí aparece una secuencia desarrollada supuestamente en el Museo Metropolitano de Nueva York, si bien, parece ser que, como no fueron otorgados los permisos de filmación en el interior de las salas del Met, las tomas son en realidad de las galerías del Museo de Arte de Filadelfia. Gran parte de la película Vestida para matar es un homenaje a Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958), en particular, la secuencia donde la actriz Kim Novak contempla apaciblemente una pintura -el falso retrato de Carlotta Valdes- mientras es acechada por el personaje interpretado por James Stewart; la escena fue filmada en el Museo de Bellas Artes de San Francisco, pero la pintura en cuestión no forma parte de la colección, ya que fue realizada para cumplir con el argumento de la película. Del maestro del suspense también tenemos Cortina rasgada (1966): Paul Newmam y Julie Andrews recorren el Museo de Pérgamo de Berlín con las sombras y el ruido de los pasos en la soledad de las salas. Howard Hawks, en La fiera de mi niña (1938): un joven y algo apocado científico que trabaja en el Museo de Historia Natural de Nueva York ha dedicado cuatro largos años a la reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, ahora, para completar su trabajo, el museo necesita fondos urgentemente que le permitan continuar con sus investigaciones. Alain Resnais, en Hiroshima mon amour (1959), muestra la fachada, las escaleras, las obras -fotografías y maquetas- y los visitantes que pasean y contemplan las reconstrucciones de la tragedia de 1945 en el Museo Memorial de la Paz de Hirosima, fundado en 1955 para convertirse en memoria colectiva de una ciudad doliente. Woody Allen, en Match Point (2005): sus personajes tienen casuales y fatídicos encuentros en lugares turísticos de lujo: Notting Hill, las orillas del Támesis en Westminster, Bond Street, los teatros del West End y el Museo Nacional Británico de Arte Moderno de Londres. Fernando Colomo filma en Budapest La banda Picasso (2012), inspirándoseen el robo de La Gioconda perpetrado en el Museo Nacional del Louvre en 1911 y sobre la detención del pintor malagueño Pablo Picasso por parte de la Gendarmería francesa, que le atribuía formar parte de una banda extranjera de ladrones de arte. Philip Martin, en El falsificador (2014): el protagonista tiene que robar una pintura original de Monet, realizar una copia e intercambiarla por el original en el Museo de Bellas Artes de Boston. George Clooney dirige The Monuments Men (2014), donde una conservadora artística es obligada a ayudar a un oficial nazi a supervisar el robo de obras de arte de la Galería Nacional del Juego de Palma de París para destinarlas al Museo del Führer, proyecto que Adolf Hitler planeó construir en la ciudad austriaca de Linz. Tom Tykwer, en The International: Dinero en la sombra (2009): tiene una formidable escena en el Museo Solomon R. Gugghenheim de Nueva York; para su rodaje se construyó una réplica interior del edificio que tardó cuatro meses en materializarse. Peter Hewitt, en El atraco (2009): la mayor parte de las escenas fueron grabadas en el Museo de Arte de Worcester en el estado de Massachusetts. Bryan Goeres, en Golpe maestro (2004): una banda de ladrones entra en la sala de la exposición principal del Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Barcelona y roba un valioso cuadro de El Greco. Jannik Johansen, en Stealing Rembrandt (2002): un cuadro de Rembrandt titulado Retrato de una dama, junto a otra pintura de Bellini, fue robado del Museo de Arte de Nivaagaard de Dinamarca. Roger Michell, en El duque (2020), rememora el robo de Retrato del Duque de Wellington, de Francisco de Goya, de la Galería Nacional de Londres en 1961. Poco tiempo después un taxista de 60 años se confesó autor del robo, devolviendo la pintura, y reveló que su objetivo era ayudar a los más desfavorecidos con el dinero del rescate.

Seguro que a muchos de los directores que acabamos de mencionar les encantaría que los museos tuvieran salas de cine para que sus películas se integrasen en las colecciones artísticas de estas instituciones sin ánimo de lucro que ofrecen experiencias variadas para la educación, la reflexión y el intercambio de conocimientos. Es un deseo que compartimos y, entre tanto se hace realidad, esperamos que disfruten con y de la lectura.

Muchas son las casas en las que nada más llegar te encuentras un felpudo, un cuadro o cualquier otro objeto de decoración en los que aparece la conocida expresión “Hogar, dulce hogar”. El origen de esta famosa locución se la debemos a la canción Home! Sweet Home!, cuya letra y melodía fueron compuestas, respectivamente, por John Howard Payne y Henry Rowley Bishop en el año 1823 para formar parte de la ópera Clari, or the Maid of Milan (Clari o la doncella de Milán). La canción, particularmente su estribillo, se hizo inmensamente popular en los Estados Unidos durante los años en los que duró la Guerra de Secesión (1861-1865), era cantada por ambos bandos y, curiosamente, la melancolía y la añoranza del hogar que suscitaba hizo que llegara a estar prohibida entre los miembros del Ejército de la Unión porque empezó a provocar un buen número de deserciones de soldados. Además, la famosa expresión no quedó solo en el ámbito musical, sino que Hogar, dulce hogar (Home, Sweet Home) fue también el nombre de un mediometraje mudo norteamericano del año 1914 dirigido por D. W. Griffith e igualmente el título para España de Room for One More (Norman Taurog, 1952), película protagonizada por Cary Grant y por su entonces mujer Betsy Drake, en la que interpretaban a Poppy y Anna Rose, quienes, con sus tres hijos, formaban una típica familia norteamericana que, a instancia de ella y con la aquiescencia de él, iban ampliando los componentes de su hogar familiar, adoptando dos niños con problemas y dando refugio a perros y gatos sin techo, en una meliflua y superficial comedia que defendía la importancia de la cohesión familiar para sobreponerse a las dificultades.

El hogar se cuela en todas las películas comentadas en este número de Versión Original, en el que vamos a encontrar distintos conceptos de morada y también diferentes formas de afrontar la vida familiar. En La familia (La famiglia, Ettore Scola, 1987) Victoria Aranda Arribas nos muestra cómo Ettore Scola, Ruggero Maccari y Furio Scarpelli dieron el papel principal a un espléndido piso burgués de principios del siglo XX para que sirviera de escenario a sus numerosos personajes. Pepe Alfaro nos habla de El inquilino (José Antonio Nieves Conde, 1957), el peregrinaje de un cabeza de familia para buscar un nuevo refugio para su prole. La presencia de las casas encantadas nos la aporta Juan Manuel Corral con La mansión de los crímenes (Peter Duffell, 1971), en este caso se trata de un caserón ubicado en el campo en el que un inspector de Scotland Yard tendrá que investigar y sufrir una serie de extraños sucesos que siempre impidieron a sus moradores disfrutar de un agradable retiro entre sus paredes. Doña Clara (Aquarius, Kleber Mendonça Filho; Brasil, 2016), la película elegida por Francisco Mateos Roco, nos traslada a un privilegiado apartamento en primera línea de una playa urbana cuya preservación se convierte para su dueña en el modo de aferrarse a sus raíces y a su modo de entender la vida. Adolfo Monje Justo nos invita a El baile (Edgar Neville, 1959), un viaje en el tiempo dentro de un elegante salón cuya decoración irá mudando desde el estilo modernista y recargado de su primer acto hasta la frialdad y la austeridad reflejo de una época poco o nada feliz. Escribiendo sobre Honeyland (Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov, 2019), Manuel Pozo incide en la idea de que los territorios tradicionalmente en conflicto nunca pertenecen a los hombres que quieren sacar partido de ellos, sino a quienes cuidan de sus recursos, se adaptan a sus características y acaban por ser parte del paisaje. Pablo Pérez Rubio pone el acento en la polarización que se escondía tras ¡Bruja, más que bruja! (Fernando Fernán Gómez, 1976), en esos dos tipos de hogares que conformaban la representación popular de la España rural del franquismo: el de la familia arcádica henchida de los valores tradicionales y el otro repleto de vicios y degradación. La desaparición (Rubén Alonso, 2022) y, más en concreto, la perspectiva del enfermo que adopta la propia película le sirven a Laura Bueno González para evidenciar que el hogar, como espacio al que queremos pertenecer y en el que encontramos seguridad, solo se construye con sentimientos de amor y cariño; idea que también sobrevuela Encuentro en la noche (Fritz Lang, 1952), que además, como nos explica Iván Escobar Fernández, sustenta y articula su narración en torno al espacio que los hogares ocupan y sobre las acciones que en ellos acaecen. Pedro Triguero-Lizana nos señala que las tres partes que componen Llama un extraño (Fred Walton, 1979) guardan una simetría narrativa que apunta a ese inquietante designio de que todo parece estar condenado a repetirse. En La habitación del hijo (Nanni Moretti, 2001), su director se adentra en el género del drama y lo hace a través del perfil cotidiano de una familia del norte de Italia cuya unión se ve sacudida por un fatal accidente de uno de sus miembros, que, tal y como nos cuenta Tania Padilla Aguilera, será el conflicto que ponga a prueba las costuras del hogar. También a Italia, pero esta vez más al sur, nos conduce Bernardo Duarte Almeida con Fue la mano de Dios (Paolo Sorrentino, 2021), filme que atrapa a través de la nostalgia y de la ternura con la que su protagonista nos sumerge en el ambiente cohesionado y caótico de un hogar napolitano. El hogar del que se ocupa María Medina es el de Siempre hay un mañana (Douglas Sirk, 1955), que no es otro que el de la casa en una zona residencial que se erige en la imagen de un sueño americano no siempre dulce y apacible, como está dispuesto a demostrar el reencuentro con alguien del pasado. El mismo director es el escogido por Valeriano Durán Manso al comentar Escrito sobre el viento (Douglas Sirk, 1956), película que fija su vórtice en el hogar de una acaudalada familia texana en el que nos inmiscuimos para observar las relaciones entre sus integrantes. Siete torres (Joe May, 1940) nos zambulle en el gótico norteamericano de la mano de Raquel Abad Coll: corrupción, codicia y crueldad campan a sus anchas en una mansión que incluso parece padecer la maldición de un antiguo habitante. Los desastres domésticos y estructurales de la casa en la que dos enamorados pretenden asentar su hogar son los que sustentan la trama de Esta casa es una ruina (The Money Pit, 1986), la entretenida cinta seleccionada por Javi Aurre. Más retorcida es la historia de Hogar (Àlex y David Pastor, 2020), a la que nos lleva José Manuel Rodríguez Pizarro, donde alguien a quien la vida sonreía ve cambiar su suerte de forma súbita y toma la desacertada decisión de seguir frecuentando el hogar que ya ha dejado de ser el suyo. En The Florida Project(Sean Baker, EEUU, 2017) sus protagonistas no tienen una casa al uso, sino que viven y guardan todas sus posesiones en una simple habitación de motel, donde, como Ángeles Pérez Matas nos indica, se materializa una provisionalidad indefinida de aquellos que dudan de si algún día llegarán a disfrutar de una vida mejor. Diego J. Corral pone de manifiesto en su texto que Cerca de ti (Nowhere Special, Uberto Pasolini, 2020) sitúa la cámara fuera de los inmuebles para ofrecernos la visión del que mirando a través de sus ventanas siente la necesidad de intervenir en la vida de los que percibe atrapados tras el cristal. Rodrigo Arizaga Iturralde nos hace partícipes de la fuerte primera impresión que le causó  Poltergeist: fenómenos extraños (Tobe Hooper, 1982), de la inquietud que le provocó ver una terrorífica historia de fantasmas en una casa convencional de un barrio que perfectamente podía ser la suya o la de cualquiera de nosotros. Santiago Sevilla Vallejo apunta la diferencia que va de una casa convertida en un infierno a otra en la que se encuentra refugio, que es la mudanza a la que se ven obligados la protagonista y su hijo en Te doy mis ojos (Icíar Bollaín, 2003). Al escribir sobre Uno más de la familia (A Dog’s Way Home, Charles Martin Smith, 2019), Isabel Riverol Plasencia nos recuerda que los animales domésticos también son los que forman los hogares y que, al igual que las personas, necesitan y buscan sentirse protegidos y queridos en ellos. Pedro García Cueto dedica su artículo a El cielo protector (Bernardo Bertolucci, 1990), película en la que la inmensidad de los paisajes absorbe a unos protagonistas desplazados de su hogar y que difícilmente encontrarán el camino de regreso. El tormentoso fin que puede llegar a tener una familia es la base de la hipérbole sobre la que se construye La guerra de los Rose (Danny DeVito, 1989), combate entre dos cónyuges, ya más alejados que las dos habitaciones más distantes de su enorme casa, a cuya retransmisión se presta Jorge Capote. Y, por último, Francisco Collado cierra el monográfico con su texto sobre el legado como estética, el hogar como forma de vida y la tradición como afirmación de lo familiar y de la propia cultura, que son en definitiva las ideas que transmite la maravillosa Coco (Lee Unkrich y Adrián Molina, 2017). 

Al terminar el viaje por lo doméstico que supone el desplazarse por las páginas de este ejemplar de Versión Original, la noción de fondo que deja es la ya sabida, incluso la ya reconocida legalmente, pero también la que probablemente encuentra más obstáculos en la práctica, de que todos los seres vivos del planeta Tierra deben tener un hogar y que lograr hacerlo posible es una lucha por la que nunca se hace lo suficiente. Que disfruten con y de la lectura.

Versión Original, la única revista temática de cine, y el Festival de Cine Español de Cáceres, el único Festival en España que aúna la promoción del cine español y la ayuda humanitaria, han alcanzado los 30 años de existencia. Celebramos por tanto las tres décadas de estos dos proyectos culturales creados y desarrollados por la Fundación ReBross, institución sin ánimo de lucro que, además de consolidar su labor editorial, ha logrado generar beneficios con la organización de eventos culturales y destinarlos a colaborar en distintos proyectos humanitarios y ecológicos.

Este ejemplar, dedicado a las producciones españolas de 2022, reúne a la revista y al Festival en su 30 aniversario. En total son 30 los textos que, de forma apasionada y altruista, pretenden transmitir la calidad y creatividad de nuestro cine. Este número, que para nosotros es muy especial, comienza con la entrevista del periodista José María Clemente al flamante “Premio de Honor” de la trigésima edición del Festival: el admirado y querido Fernando Trueba. Le siguen recomendaciones de películas estrenadas en nuestro país durante el año pasado que reflejan el actual estado de gracia del cine español: Unicorn Wars (por David García Reyes), La consagración de la primavera (por Pablo Pérez Rubio), Vasil (por María Medina), As bestas (por Francisco Mateos Roco), Cinco lobitos (por María José Agudo), Los renglones torcidos de Dios (por Adolfo Monje Justo), Una película póstuma (por Juan Luis Montoussé), Cerdita (por José Manuel Rodríguez Pizarro), Eles transportan a morte (por Guillermo Triguero), Tenéis que venir a verla (por Iván Escobar), Alcarrás (por Manuel Pozo), Llenos de gracia (por Sonia Martín), Los Reyes Magos: La verdad (por Ángeles Pérez Matas), La maniobra de la tortuga (por Pepe Alfaro), Lugares a los que nunca hemos ido (por Guillermo Herráez Cubino), Una año, una noche (por Francisco Collado), La maternal (por Alejandro González Clemente), Mantícora (por Laura Bueno), No mires a los ojos (por Paco Rebollo), En los márgenes (por Adela Hernández), Mi vacío y yo (por Diego J. Corral), Código emperador (por Blanca Rodríguez), Malnazidos (por Rodrigo Arizaga Iturralde), El páramo (por Javi Aurre), Live is Life (por Francisco Javier Millán), Modelo 77 (por Bernardo Duarte Almeida), Pijamas espaciales (por Déborah Vukušić), El cuarto pasajero (por Marcos Jiménez) y Veneciafrenia (por Jorge Capote). 

Desde 1994 la Fundación ReBross ha pretendido que su Festival sea un valioso medio de promoción del Cine Español en Extremadura con una importante proyección nacional, recibiendo por ello el reconocimiento anual de los profesionales de la cinematografía que visitan nuestra comunidad, así como habiendo obtenido la distinción en el año 2008 de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, que le concedió el Premio González Sinde por ser el único Festival en España que vincula el cine español con la solidaridad. El Festival de Cine Español de Cáceres no solo es el evento cinematográfico dedicado exclusivamente a promocionar, difundir y premiar el cine español más longevo de nuestro país, sino que también es el único que con sus beneficios viene permitiendo a lo largo de estos años colaborar en distintos proyectos humanitarios en la Amazonía brasileña, Perú, Ecuador, Kenia, Colombia, Líbano y España, a través de donaciones que ya suman cerca de 300.000 €. 

El Festival de Cine Español de Cáceres presenta anualmente su Sección Oficial de películas junto con otras actividades culturales relacionadas con el séptimo arte: publicaciones, exposiciones, jornadas gastronómicas, conciertos y ponencias. Una de las ofertas culturales más importante para la organización es el programa de sensibilización Ver Cine Español Ayuda, que está destinado a 5.000 alumnos de colegios e institutos y que tiene por objetivo aunar cine, educación y solidaridad en un mismo acto. En lo que se refiere al ámbito educativo, no creemos estar descubriendo nada al resaltar la capacidad didáctica del cine y, de hecho, somos conocedores de que hay bastantes profesores que lo consideran imprescindible para la formación artística y cultural de los alumnos. Por ello creemos importante brindar a los jóvenes la posibilidad de conocer la cinematografía de su país, de divertirse con ella en “Pantalla Grande” y de compartir la magia de las imágenes en movimiento con estudiantes de otros centros educativos.

El Festival decano se asienta en cuatro aspectos que consideramos imprescindibles: el cultural, que incluye la promoción y la divulgación del Cine Español en Extremadura; el humanitario, pues los beneficios del Festival, procedentes de la recaudación obtenida en las distintas actividades que se organizan en el seno del mismo, terminan convirtiéndose en sostén de diversos y esenciales proyectos humanitarios; el igualitario, por medio de la visualización de la igualdad de género a través de las películas seleccionadas, de la integración de mujeres en todos los departamentos técnicos y artísticos del evento y de la contratación de personal femenino, espíritu este que coexiste con el respeto a la orientación sexual y a la identidad de género como parte fundamental de la libertad y de la dignidad de las personas; y el medioambiental, generando una responsabilidad para disminuir el impacto del evento, conseguir que sea un Festival lo más ajustado posible a parámetros de sostenibilidad y aprovecharlo como una plataforma divulgativa para involucrar a la sociedad civil en el cuidado de la naturaleza, comportamiento este que también incluye el respeto a los animales, con quienes compartimos un planeta que todos tenemos la obligación de cuidar. 

El Festival de Cine Español de Cáceres puede presumir del gran elenco de profesionales de la cinematografía española que han sido reconocidos con el “Premio San Pancracio de Cine” durante estas tres décadas, galardones que tienen el humilde propósito de reconocer los grandes trabajos audiovisuales del cine español y de desear a los galardonados suerte y trabajo en su carrera profesional. Sobre la famosa estatuilla de bronce se pronunció el escritor, guionista y director, David Trueba, que en esta edición será galardonado con el Premio Versión Original, nuevo reconocimiento del Festival que nace con el propósito de distinguir la labor de aquellas personas a las que suele darse menos protagonismo pero que desempeñan labores fundamentales en la industria del cine, en la difusión de las películas y/o en la divulgación del arte cinematográfico. Por ello, recogiendo dos de los principales propósitos que la Fundación Rebross persigue en todos sus proyectos, como son la promoción del cine y el fomento de la escritura, y por extensión de la lectura, este galardón pretende brindar un reconocimiento a escritores, guionistas, novelistas de obras adaptadas, escritores de ensayos sobre el mundo del cine o periodistas culturales cuyos trabajos hayan contribuido especial y significativamente a engrandecer, a dar a conocer o a enriquecer la cinematografía española. Que disfruten con y de la lectura.

TENER UN SAN PANCRACIO O NO TENER UN SAN PANCRACIO

Hay dos leyendas urbanas en torno a las distinciones cinematográficas. Primera, que te es más difícil conseguir un trabajo tras un premio porque todo el mundo piensa que pedirás un sueldo más alto. Segunda, que ningún director es capaz de hacer una buena película después de que alguien le haya dedicado un libro a su obra. No sé si estas casi mitológicas maldiciones son ciertas, pero consuelan a los que no suelen ganar premios ni les dedican libros.

Los premios los suele dar gente que se quiere dar importancia. Entonces le dan un premio a alguien y así consiguen hacerse una foto con ellos. Así por ejemplo el señor Alfred Nobel se relaciona con Faulkner y el Príncipe de Asturias se hace una foto con Woody Allen. Por eso me gustan los premios que no premian a los ganadores. Lo habitual es que la película que gana los Goya recibe todos los premios cinematográficos del año desde el Ondas hasta el de la Asociación de Amigos del Esputo Verde. Pero el San Pancracio escapa de esas vilezas y de vez en cuando premia a alguien con quien nadie querría hacerse una foto.

La primera vez que me quisieron dar el Premio San Pancracio me negué a venir a Cáceres y se lo dieron a otro. Bien hecho. Era por mi primera película y mi idea del triunfo hablaba en inglés o francés. Por mi tercera película, volvieron a contactar conmigo, y esta vez, ya con la lección de humildad bien aprendida y porque venía recomendado el galardón por íntimos amigos, dije que sí. Cuando me disponía a venir a Cáceres, los integristas islámicos, que siempre se han opuesto a mi carrera, causaron una terrorífica matanza en Madrid y los premios previstos para ese fin de semana fueron aplazados. 

Un año después me invitaron a entregar un premio. Acepté. Entregar un premio es mucho mejor que recibir un premio. Por ejemplo, para entregar el Oscar a la mejor actriz siempre hay tortas. En cambio, para entregar el premio a los mejores efectos de sonido de flatulencias en cortometraje no se exige el currículum.

En Cáceres descubrí a los ReBross. Son gente que mira el cine sin los prejuicios habituales, que es constructiva, capaz, entusiasta y discreta. Que hacen una labor ejemplar para traer el cine a esos sitios de España que viven bajo el apagón. Sí, el apagón del cine más interesante que muchas veces ni siquiera llega a las cada vez más depauperadas carteleras. Son majos los ReBross. Se han hecho amigos de tipos que para aceptar un amigo lo someten antes a un examen durísimo, gente como Antonio Gasset, por ejemplo, del que se rumorea que va tanto a Cáceres porque ha montado un cortijo y se dedica a la cría del cerdo tras su jubilación del Ente RTVE. A mí me llaman todos los años y me prometen que me van a dejar entregar el premio a la mejor actriz. Pero cuando llego siempre me toca dar el galardón a toda una vida o al mejor intérprete del año perteneciente a la raza bovina.

En los corrillos del cine español ya casi todo el mundo sabe que el San Pancracio es el premio más prestigioso del país. La categoría se establece entre tener un San Pancracio o no tener un San Pancracio. Te lo dan cuando nadie te está mirando. No te arruina la carrera y haciendo honor al santo que lo patrocina te permite encadenar trabajos sin parar hasta que otros premios con más renombre echan a perder tu prestigio. Gracias Pancracios y apasionados del cine. Aquí un amigo.                             

DAVID TRUEBA

Entre los números especiales que Versión Original va a presentar en 2023 para celebrar su 30 aniversario se encuentra este trabajo que esperamos sea del agrado de nuestros lectores. Se trata de un estudio sobre las distintas relaciones que han mantenido dos expresiones culturales de arte total: la Ópera y el Cine. Por cuestiones obvias, una revista de cine no puede abarcar todos los títulos del séptimo arte que han rendido pleitesía a las obras operísticas, labor que sin embargo es acometida con gran acierto por los libros que nos han servido de referencia: Pantalla Lírica. El cine va a la ópera (Rafael de España Renedo, 2011) y Ópera en pantalla (Jaume Radigales e Isabel Villanueva, 2019). Nuestro objetivo es recordar las películas más representativas que mantienen vínculos entre estas dos formas artísticas y, como podréis observar, desde la primera época del cine sonoro han sido muchos los directores, amantes de la ópera, que han procurado extender el conocimiento y la influencia de este género musical al que muchos consideran la suma de todas las artes. Llevados por su afición, algunos de ellos lo hicieron mediante la inclusión de fragmentos de grandes composiciones en las bandas sonoras de sus películas, contribuyendo así a la difusión de la música y de aquellos intérpretes de ópera cuyas voces gozan del magnífico don de ser capaces de tocar los recovecos más sensibles del alma de los espectadores.

Iniciamos esta revisión con Los cuentos de Hoffmann (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1951), traslación a la pantalla de la obra homónima con música de Jacques Offenbach y libreto de Jules Barbier que se estrenó en el Teatro Nacional de la Opera-Comique de París en 1881. La comedia de la vida (G. W. Pabst, 1931) adapta La ópera de tres peniques de Bertold Brecht, que se había basado en La ópera del mendigo, cuyo aliciente eran sus protagonistas: prostitutas y delincuentes. La génesis de la ópera Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, es la que nos narra la película Io, Don Giovanni (Carlos Saura, 2009), pero no desde la perspectiva del compositor como cabría esperar, sino desde la de una figura menos conocida, la del libretista Lorenzo da Ponte, quien también colaboraría con Mozart en la creación de las óperas Le nozze di Figaro yCosì fan tutte. Le dedicamos un capítulo a tres de las múltiples -más de quince- versiones cinematográficas basadas en la novela original Le Fantôme de l’opéra de Gaston Leroux, publicada en 1910 tras aparecer periódicamente en Le Gaulois e inspirada en hechos reales: El fantasma de la ópera (Robert Markowitz, 1983), El fantasma de la ópera (Rupert Julian, 1925) y Terror en la ópera (Dario Argento, 1987). No podía faltar en este monográfico Una noche en la ópera (Sam Wood, 1935), que aparte de presentar los tejemanejes de mecenazgos, giras de intérpretes y contratos en el ámbito operístico, nos regala representaciones en teatros de este arte lírico y fragmentos de óperas archiconocidas como Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo. Tampoco falta el homenaje a la ópera del maestro italiano Federico Fellini en Y la nave va (1983), que pretendía ser un noticiario-tributo sobre el traslado de los restos de la gran diva del canto Edmea Tetua a la isla de Erimo en el mar Egeo. A lo largo de su metraje se interpretan obras de Debussy, Saint-Saëns y Verdi para constatar la decadencia de una manera de vivir la cultura europea. Relacionadas con las películas biográficas del bel canto hemos incluido El gran Caruso (Richard Thorpe, 1951), sobre la figura de Enrico Caruso, considerado uno de los grandes tenores de la historia. Interpretada por Mario Lanza, quien, pese a tener dificultades a la hora de ejecutar una ópera completa sobre el escenario, lograba que su poderosa y festiva voz alcanzara los necesarios niveles que llegaron a convertirle en una estrella popular. Melodía interrumpida (Curtis Bernhardt, 1955), basada en la historia real de una famosa soprano dramática, Marjorie Lawrence, es un melodrama que se adorna con fragmentos de óperas ilustres como La Bohème, Carmen, Il Trovatore, Madama Butterfly o Tristan und Isolde. La película documental ¡Brava, Victoria! (María Gorgues 2011) nos acerca a la figura de la soprano española Victoria de los Ángeles, una mujer a la que nunca le interesó ser una diva, sino emocionar y transmitir su pasión por el canto, de cuyo nacimiento se cumplen 100 años en el 2023. Este centenario coincide con el de la soprano griega Maria Callas, motivo por el cual el colaborador de Versión Original Francisco Collado y su hija Beatriz le han dedicado una separata. La vida de la voz castrato más importante de la historia del canto se aborda en Farinelli, il castrato (Gérard Corbiau, 1994), quien con 32 años y en la cumbre del éxito se retiró para cantar exclusivamente para Felipe V, rey de España. También incluye este estudio propuestas de la Ópera Rock, cuyo máximo referente fue Tommy (Ken Russel, 1975), que cuenta la historia de su homónimo protagonista, un chico que tras una traumática experiencia infantil se queda sordo, mudo y ciego. En este apartado incluimos Annette (Leos Carax, 2021), una colaboración entre el cineasta y los hermanos Mael, integrantes del grupo Sparks, que crearon las canciones que sirvieron de guión cinematográfico; y la obra musical Evita (Alan Parker, 1996), que es fiel a la Ópera Rock homónima de Andrew Lloyd Weber, al que debemos creaciones como Jesucristo Superstar. Entre los homenajes que el cine ha ofrecido a la ópera no podían faltar El Padrino. Parte III (Francis Ford Coppola, 1990), en concreto el pasaje en el que la familia Corleone se reúne en el Teatro Massimo de Palermo para presenciar el esperado debut de Anthony Corleone como protagonista en la ópera Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni, una obra que, al igual que toda la trama de la película, tiene como tema central el honor y la venganza; y A Roma con amor (Woody Allen, 2012), donde se escenifica la antes mencionada Pagliacci de Ruggero Leoncavallo cuando el personaje de Giancarlo, que solo canta extraordinariamente en la ducha, interpreta la obra mientras se asea. En Fitzcarraldo (Werner Herzog, 1982) un empresario irlandés interpretado por Klaus Kinski es un apasionado de la ópera que, tras asistir a una representación del afamado tenor Enrico Caruso, decide construir un Palacio donde actúen los mejores intérpretes del mundo. La oscarizada película Amadeus (Milos Forman, 1984) nos relata la vida del genio Wolfgang Amadeus Mozart desde el punto de vista de Antonio Salieri, su celoso rival, compositor destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Los títulos de crédito de La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1993) se suceden mientras se escucha de fondo a una pareja interpretando uno de los fragmentos de la ópera Fausto, del francés Charles Gounod; la cámara se recrea en ellos y en sus voces, pero paulatinamente se dirige hacia el público, que está deleitando sus oídos con tan selecta pieza. Un tramo de Misión Imposible: Nación Secreta(Christopher McQuarrie, 2015) transcurre en el edificio musical más famoso del mundo, el Wiener Musikverein de Viena, mientras se oye Turandotde Giacomo Puccini. En To the Wonder (Terrence Malick, 2012) la música que acompaña a la pareja protagonista es el comienzo del preludio de la ópera Parsifal de Richard Wagner. Una de las escenas más famosas de Pretty Woman (Garry Marshall, 1990) sucede en la San Francisco Operamientras se representa La traviata de Guiseppe Verdi, basada en la vida de una cortesana parisiense que se enamora de un joven de la nobleza. Un talento increíble (David Frankel, 2013) nos cuenta la historia de Paul Potts, un artista británico que desarrolló una gran afición por el canto y la ópera, la prueba es que en el vídeo de su primera audición Potts canta Nessun dorma, un aria del acto final de la ópera Turandot. Uno de los momentos más recordados de El quinto elemento (Luc Besson, 1997) es la versión de Il dolce suono de la ópera Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti, que interpreta la voz de Inva Mula. Y finalizamos con Don Giovanni (Joseph Losey, 1979), la adaptación de la obra original de Mozart y de la lectura personal del director, en la cual interpretan y cantan en italiano artistas procedentes de todos los países: Ruggero Raimondi, Kiri Te Kanawa, Teresa Berganza, Edda Moser y José van Dam. 

Tendremos el honor de presentar este trabajo sobre “La ópera en el cine” en el restaurante Atrio de Cáceres, recientemente reconocido con tres estrellas Michelín, con la compañía de sus propietarios José Polo y Toño Pérez, amantes de la música clásica en general y de la ópera en particular. El acto estará organizado por nuestra Fundación y la Fundación Atrio Cáceres, que acaba de constituirse para contribuir a la mejora de la calidad de vida de las personas y comunidades utilizando el arte y la música como instrumento de transformación y cambio. Esta última Fundación era un sueño de Toño y José, quienesabrieron Atrio en 1986 y en 1994 ya obtuvieron la primera estrella, recibiendo al año siguiente el Premio Nacional de Gastronomía. La primera acción de la institución sin ánimo de lucro ha sido el Festival de Música ClásicaAtrium Musicae, con vocación de convertirse en una actividad fija de la agenda musical cacereña. Estamos muy agradecidos a nuestros dos amigos por su colaboración desinteresada y por contribuir sin descanso a mejorar el nivel cultural y turístico de la ciudad de Cáceres. Que disfruten con y de la lectura.

El 2023 será un año de celebraciones. Cumplimos 30 años y por ello estamos muy orgullosos de la longevidad de nuestro viaje editorial. Versión Original es actualmente la publicación cultural decana de Extremadura y la revista de cine de mayor trayectoria de nuestro país editada por una institución sin ánimo de lucro. 

Como saben, Versión Original no es una publicación de crítica cinematográfica al uso, sino que en ella solo se recomiendan películas con la intención de que sus textos susciten en el lector el deseo de ver la cinta recomendada, generando y promoviendo de esta forma la pasión por el séptimo arte que compartimos todos los que colaboramos en ella; labor esta que tratamos de desarrollar con el máximo cuidado y rigurosidad posible en la redacción de su contenido, pues uno de sus fines primordiales es el de contribuir al necesario fomento tanto de la lectura como de la escritura.

Versión Original pretende convencer a los lectores de que, desde su creación hasta nuestros días, el cine inunda y contamina los más recónditos rincones de la vida. Basta una ojeada a la fértil diversidad de los monográficos tratados en ella a lo largo de estos años para convenir que el cine ha tocado con su mirada mágica todos los temas esenciales del sentir humano. Pero no se trata solo de que el cine, como nuevo arte, exprese con su lenguaje específico su particular visión del mundo, sino también de que, como arte añadido, tardío y beneficiario de la larga tradición de otros lenguajes artísticos, interprete un diálogo ejemplar con diferentes disciplinas que deja en un juego de niños el insigne precedente del barroco. En 1993 se publicó el primer número de la revista, un ejemplar que pretendía brindar un homenaje al “cine negro”. Tres décadas después ese proyecto se ha consolidado y Versión Original es una de las publicaciones de mayor trayectoria en el panorama nacional, todo ello gracias a la desprendida labor de todos los que trabajamos en esta tarea tan singular.

Mantener una revista como Versión Original es una empresa complicada en los tiempos que vivimos. No creo que con ello estemos desvelando un secreto, ya que, a la brutal crisis de las publicaciones en papel, incluida la prensa escrita, hay que añadir la crisis energética que provoca que los gastos de imprenta y distribución suban continuamente. Sin embargo, pese a todos estos problemas, como paradoja y como una de esas contradicciones que las situaciones comprometidas acostumbran a poner en evidencia, cabe resaltar que cada vez son más los interesados en participar en esta publicación cultural; interés que surge porque Versión Original es la única revista de cine que tiene como uno de sus objetivos ofrecer la posibilidad de publicar los primeros textos y porque además encarna un modelo de participación cultural como no hay otro en España.  

A lo largo de tres décadas Versión Original ha abordado los géneros canónicos y de paso ha propuesto alguno nuevo. También ha procurado mantenerse cerca del presente y de los temas que exigen compromiso o atención. En ese sentido, el balance de asuntos tratados es muy positivo: el miedo, la ausencia, la danza, el turismo, el odio, la nieve, la familia, el periodismo, la infancia, la pasión, la enfermedad, la sonrisa, el racismo…. Son 321 los temas en los que hasta el momento hemos centrado nuestra atención y a los que hemos empeñado nuestras pasiones en el intento de transmitir la belleza del séptimo arte.

La lucha por mantener el formato de esta revista de cine nos genera satisfacción, quizás porque ya no tenemos redaños para luchar y protestar contra la falta de “solidaridad” de esta sociedad, como si la perseverancia por conservar el papel fuera la única posibilidad de pelear contra lo inevitable y esta brega aliviara un poco la rabia contenida por la falta de compromiso social. Una edición exclusivamente digital no sería lo mismo, pues, por lo pronto, se esfumaría el placer de tocar y sentir en las manos cada mes el generoso trabajo de tanta gente. Nos parece importante, crucial, saber que estamos apoyando con nuestra labor -esta es la “solidaridad” de la que hablábamos- a empresas con dificultades (imprenta, encuadernadora, distribuidora, librerías…) y quizás también contribuyendo a que algún empleado de estas empresas no ingrese en la maldita lista del paro. Además, la revista tiene como rasgo principal su carácter altruista y humanitario: todas las personas que trabajan en ella lo hacen de forma desinteresada y solidaria, y los beneficios que se obtienen por su venta se destinan a distintos proyectos humanitarios. En la actualidad es nuestro deseo colaborar con la ONG “Sonrisas en Acción” para mejorar las condiciones de vida de las personas sirias que se encuentran refugiadas en el Líbano.

También deseamos celebrar el 30 aniversario de Versión Original con todos los anunciantes, algunos pequeños negocios, que realizan un importante esfuerzo por mantener una colaboración necesaria para que la revista vea la luz cada mes. E igualmente queremos hacerlo con las instituciones que actualmente mantienen subvenciones y ayudas que consideramos imprescindibles para poder preservar su publicación en papel: el Ministerio de Cultura y Deportes, la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes, la Diputación de Badajoz, el Ayuntamiento de Cáceres, la Diputación de Cáceres y la Universidad de Extremadura.  

Nos gustaría presentar públicamente cada uno de los ejemplares que editemos este año, para celebrar así con los amigos y colaboradores de Versión Original este importante aniversario. Este número lo presentaremos en el espacio cultural Belleartes de Cáceres, junto al conocido dibujante e ilustrador Fermín Solís, para agradecerle personalmente su colaboración desinteresada en los distintos proyectos de la Fundación ReBross. Las siguientes presentaciones serán: febrero “La Ópera”, marzo “Cine Español 2022”, abril “El hogar”, mayo “Museos”, junio “Vinos”, julio/agosto “Paraísos”, septiembre “Números”, octubre “Rock and Roll”, noviembre “Sevilla” y diciembre “Sesión doble”. 

Todo lo meritorio comentado en estas líneas no hubiese sido posible sin la participación solidaria y apasionada de cada uno de los integrantes de la familia Versión Original, hombres y mujeres que trabajan diariamente para que todos los meses se publiquen los monográficos que cada año programamos. Estamos hablando de tres décadas, de 321 ejemplares y de más de 7.000 películas recomendadas, toda una efeméride que nos llena de orgullo y felicidad. Por último, recordar a los lectores de Versión Original que seguiremos trabajando con la misma ilusión con la que iniciamos esta aventura hace treinta años y que nuestro objetivo siempre será compartir con ustedes las mejores obras de la historia del cine. Que disfruten con y de la lectura.