V.O 340 BILBAO

El cine es un arte que no solo retrata historias, sino que las enmarca en geografías concretas, dotándolas de una identidad visual y cultural única. En este sentido, Bilbao ha jugado un papel crucial en la cinematografía española y más allá de la misma, no solo como escenario, sino como un personaje vivo, cuya transformación a lo largo de los años y cuya idiosincrasia propia han influido profundamente en las narrativas que se han contado en sus calles, fábricas y paisajes industriales. Este monográfico es una invitación a recorrer la historia del cine rodado en Bilbao, desde los albores del siglo XX hasta nuestros días, a través de películas que reflejan el latido de la ciudad y sus cambios socioculturales.

A lo largo de los años, Bilbao ha sido testigo de una evolución cinematográfica que, en muchos casos, ha ido de la mano con la propia transformación de la ciudad. Desde la película de 1913 La inauguración del campo de San Mamés, con la imprescindible colaboración de Carlos Ranedo, hasta producciones recientes como Una vida tan simple (Félix Viscarret, 2023), con la visión de nuestro colaborador Bernardo Duarte, el cine ha sido capaz de mostrar tanto la vida cotidiana como las pasiones, tensiones y conflictos de una sociedad en constante cambio en la capital vizcaína. La evolución de Bilbao, de un centro industrial a mediados del siglo XX a un icono cultural y arquitectónico en el siglo XXI, ha quedado plasmada en el cine, reflejando los contrastes entre su pasado y su presente.

Además de su impacto en la cinematografía española, Bilbao ha adquirido una proyección internacional gracias al cine. Películas como El mundo nunca es suficiente (Michael Apted, 1999), tratada en este monográfico por Blanca Rodríguez, o El destino de Júpiter (Lilly Wachowski, Lana Wachowski, 2015), tratada por Paula López, no solo han utilizado la ciudad como un vibrante escenario, sino que han contribuido a consolidar la imagen de Bilbao como un destino atractivo y cosmopolita a nivel global. Esta proyección internacional ha reforzado la reputación de la ciudad, convirtiéndola en un referente cultural.

En este número especial, hablamos sobre un total de veintiún títulos, además de los cuatro ya mencionados, y añadiendo, también, las indispensables colaboraciones de Borja Crespo, que nos trae un detallado análisis sobre su propia experiencia en el rodaje de Acción mutante(Alex de la Iglesia, 1993), Josu Eguren, que, a través de su conocimiento sobre los hermanos Ibarretxe, nos brinda una visión sobre el cine más experimental y disruptivo que ha tenido a Bilbao como epicentro y Lander Otaola, que nos habla de su propia experiencia en los múltiples rodajes en la ciudad en los que ha participado como actor desde 2008.

El viaje a través de estas páginas no solo es un homenaje a los cineastas que han encontrado en Bilbao una fuente inagotable de inspiración, sino también a una ciudad que ha sabido adaptarse y reinventarse, transformándose desde la urbe industrial que fue a mediados del siglo XX hasta convertirse en el referente cultural y arquitectónico que es hoy. Y es que, el cine rodado en Bilbao no solo ha reflejado la historia y el espíritu de la ciudad, sino que ha aportado a la cinematografía española algunas de sus piezas más importantes.

De todo ello, nos iremos dando cuenta a través de los textos de Francisco Collado sobre El gran Galeoto (Rafael Gil, 1951), Pepe Alfaro sobre Rapsodia de sangre (Antonio Isasi-Isasmendi, 1957), Valeriano Durán Manso sobre María, matrícula de Bilbao (Ladislao Vajda, 1960), Pedro Triguero-Lizana sobre Ocharcoaga (Jorge Grau, 1961), Francisco Mateos Roco sobre La casa sin fronteras (Pedro Olea, 1972), Manuel Pozo sobre No es bueno que el hombre esté solo (Pedro Olea, 1973), Raquel Abad sobre El pico 2 (Eloy de la Iglesia, 1984), Pedro García Cueto sobre Bandera negra (Pedro Olea, 1986), Juan Luis Montoussé sobre Todo por la pasta (Enrique Urbizu, 1991), José Manuel Rodríguez Pizarro sobre Salto al vacío (Daniel Calparsoro, 1995), Pablo Pérez Rubio sobre Athletic, un siglo de pasión (Pedro Olea, 1998), Adolfo Monje sobre Noviembre (Achero Mañas, 2003), Laura Bueno sobre Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack, 2005), Ángeles Pérez Matas sobre La máquina de pintar nubes (Patxo Tellería y Aitor Mazo, 2009), Guillermo Herráez Cubino sobre Pagafantas (Borja Cobeaga, 2009), Sofía Otero-Escudero sobre Un otoño sin Berlín (Lara Izagirre, 2015), Javi Aurre sobre Gernika (Koldo Serra, 2016), Rodrigo Arizaga sobre Errementari (El herrero y el diablo) (Paul Urkijo Alijo, 2017), Jorge Capote sobre El hoyo (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019), Laura Pacheco-Jiménez sobre Akelarre (Pablo Agüero, 2020) y Roberto Penas sobre Cinco lobitos (Alauda Ruiz de Azúa, 2022).

No cabe duda de que, en un futuro, Bilbao seguirá siendo un foco de inspiración para cineastas, con su capacidad para combinar modernidad y tradición en un escenario urbano único. La incorporación de nuevas tecnologías y la exploración de nuevas tendencias cinematográficas solo pueden enriquecer las futuras representaciones de la ciudad en la pantalla.

A través de la lectura, veremos que este monográfico no es solo una recopilación de títulos, sino una celebración de la simbiosis entre Bilbao y el séptimo arte, un testamento del poder del cine para capturar no solo los lugares más típicos de la ciudad, sino emociones, tiempos y transformaciones sociales. Que este recorrido nos recuerde que, detrás de cada película, hay una ciudad viva, vibrante y llena de historias por contar.

Javi Aurre y Paula López

V.O 339 AMOR DE JUVENTUD

La Organización Mundial de la Salud establece el período de «juventud» entre los 15 y los 24 años. Los romanos, que inventaron la palabra, tenían una concepción algo distinta: el iuvenis andaba entre los 30 y los 45 y se definía, literalmente, por estar ‘lleno de vigor’ –si bien habrá quien, ya entrado en la cuarentena, cuestione dicha acepción–. Estos datos demuestran que la juventud no tiene edad: uno puede sentirse un viejo a los 30, o un chavalín a los 50 si se compara con un anciano de 80, porque ahora la gente se muere más tarde que en tiempos de Julio César.

La etimología del amor, por su parte, viene a completar, e incluso a alterar, nuestra percepción periodológica. El término «amor» en latín no tiene un origen claro, pero una teoría popular (y poco rigurosa) afirma que proviene de la unión de «mors» (‘muerte’) con el prefijo privativo «a-», conque el amor sería lo contrario a la muerte. Poco importa, en realidad, si esta es o no su verdadera raíz, porque el hecho de que la gente así lo haya creído ya dice mucho de la consideración social de la palabra. Y si amar nos aleja de la muerte, en buena lógica, también nos rejuvenecerá. Al menos mientras dure el enamoramiento –quién sabe si después pasa a restar años de vida. 

De forma parecida se complementan las raíces latinas de «adolescente» (adulescens) y «querer» (quærere). El primero es aquel que ‘adolece’, esto es, que presenta carencias, que no está completo; y, al «querer», estará ‘buscando’ aquello que le falta: hasta tal punto el romance resulta definitorio para los seres humanos en nuestra etapa de formación. Quizá por eso la historia esté plagada de narraciones que se esmeran en describir o revivir el primer amor. Baste recordar el rostro moribundo de Dirk Bogarde persiguiendo con la mirada al joven Tadzio en una playa veneciana (Muerte en Venecia, Luchino Visconti, 1971) o los últimos planos silenciosos, crepusculares, hipnóticos, de Elisa di Santis en La gran belleza (Paolo Sorrentino, 2013).

Durante la juventud, el enamoramiento adquiere una intensidad, una ilusión de trascendencia, que raramente suele repetirse cuando dejamos atrás esa etapa hormonal. Por eso, está popularmente aceptado que nunca se vuelve a querer como en la adolescencia. A su vez, conforme envejecemos, la distancia temporal favorece la idealización de ese pasado. Entonces, el primer amor, rodeado de un aura mítica, corre el riesgo de situarse en el horizonte de nuestras expectativas: marcando el curso de nuestra historia y eternamente inalcanzable. Por suerte, el cine constituye un estupendo lenitivo para esta paradoja: la pantalla nos ofrece la oportunidad de revivir una y otra vez las mariposas tiernas, tórridas y promisorias de nuestra juventud. 

El número 339 de Versión Original presenta una nutrida nómina de películas que han abordado este tema desde distintas perspectivas. En muchos de los títulos aquí glosados, el interés erótico-afectivo se presenta como parte de la maduración. Podemos verlo en películas protagonizadas por niños (Mi chica, por Tania Padilla), adolescentes (El año de las luces, por Blanca Paula Rodríguez Garabatos; Academia Rushmore, por Javi Aurre) o jóvenes que transitan hacia la adultez (Tal como éramos, por Valeriano Durán Manso). La mitificación de los idilios precoces se aprecia en películas como Un pequeño romance (Raquel Abad Coll), Antes del amanecer (Rodrigo Arizaga Iturralde), Test (Adolfo Monje) o Una historia de amor y deseo (José Manuel Rodríguez Pizarro). Pero también hay otras que atentan contra su romantización: Okoto y Sasuke (Manuel Pozo), El rostro impenetrable (Pedro Triguero-Lizana) o Suzhou River (Pedro Ramos Romero) son buenos ejemplos.

La corriente indie ha convertido este asunto en uno de sus favoritos; así lo demuestran 500 días juntos (Laura Bueno González), Amigos de más (Ángeles Pérez Matas), Una cuestión de tiempo (Bernardo Duarte Almeida), Falcon Lake (Iván Escobar Fernández) y Un verano con Fifí (Francisco Mateos Roco). Por su parte, el cine de género ha encontrado en él un sólida base, como puede verse en Fatal Frame (Daniel Alcázar Sainz) y Vampira humanista busca suicida (Jorge Capote).

También en la juventud hay margen para las relaciones atípicas (La mamá y la puta, por Guillermo Triguero), tóxicas (El consentimiento, por Pepe Alfaro) o subversivas (Hiroshima, mon amour, por Brenda Romero Casal). Pero si hay un punto de vista que se repite de manera ostensible en estas narraciones es el del recuerdo. La añoranza o la evocación del pasado se hacen patentes en títulos como Un amor inmortal (Victoria Aranda Arribas), Besos robados (Pedro García Cueto), La prima Angélica (Pablo Pérez Rubio), Tres recuerdos de mi juventud (Francisco Collado), La juventud (Roberto Penas Mariño), La reconquista (Sofía Otero-Escudero) y Vidas Pasadas (Diego J. Corral).

Les invitamos, pues, a sumergirse en las páginas de este número para recobrar, perseguir o celebrar el amor de juventud. Pero ándense con cuidado: el equipo editorial advierte de que su lectura puede provocar flechazos.

Victoria Aranda Arribas

V.O 338 PLAYAS

Como mi memoria es tan volátil como la arena de Zahara de los Atunes en un día de levante fuerte, les pregunto a mis hermanos qué edad teníamos cuando vimos por primera vez una playa abierta al mar. Según ellos, sería por 1975, cuando viajamos los siete miembros de la familia en un Seat Seiscientos a Isla Antilla gracias a un premio de ventas que ganó mi padre en su labor de agente comercial. Anteriormente ya habíamos visto algunas playas de interior en Extremadura y muchas en televisión en conocidas películas donde esos arenales en superficie casi plana fueron la ubicación de escenas icónicas de la historia del cine. Entre esos recuerdos cinéfilos está la famosa película De Aquí a la Eternidad (Fred Zinnemann, 1953), concretamente la escena de Burt Lancaster y Deborah Kerr besándose tumbados en la playa Waikiki en Hawái; o el final de El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968), que se rodó en la playa canaria de Cofete, un paraíso escondido en Fuerteventura, en la que Charlton Heston se arrodilla ante una Estatua de la Libertad semienterrada y en ruinas mientras las olas rompen en su trayecto hacia la playa.

En este estudio sobre “Playas en el Cine” recomendamos algunas películas donde la presencia de las riberas del mar, de un lago o de un río grande nos permitirá viajar por Francia, Buenos Aires, Australia, Estados Unidos, Italia, Ghana, Japón, España, Grecia, Fiyi y Trinidad y Tobago. Así, la filmación de Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma, 2019) tuvo lugar en las playas salvajes de Saint-Pierre-Quiberon en la región francesa de Bretaña; la de Ostende (Laura Cirarrella, 2011) en la ciudad balnearia de la costa argentina del Partido de Pinamar de Buenos Aires; y la de L´amour à la mer (Guy Gilles, 1964) en la ciudad costera de Brest, región francesa de Bretaña, donde la lluvia fría moja la arena gris de la playa. En Largo fin de semana (Colin Eggleston, 1978), un intento de resucitar su matrimonio en crisis lleva a la pareja protagonista a Bournda Beach, en la costa australiana de Nueva Gales del Sur, con la esperanza de que pasar unos días en plena naturaleza les ayudará a arreglar sus diferencias. Castillos en la arena (Vincent Minnelli, 1965) eligió sus exteriores cerca de la población californiana de Monterey. Una playa tan bonita (Yves Allégret, 1949), una de las historias más tristes y desesperanzadoras que cabe recordar en una pantalla de cine, nos muestra un reverso dramático de la imagen de una playa de la costa norte de Francia durante un invierno lluvioso. En El desconocido del lago (Alain Guiraudie, 2013), el deseo, el sexo y la muerte se entremezclan en una historia que transcurre durante un verano en la playa del lago de Sainte-Croix, en la región francesa de Provenza- Alpes-Costa Azul. Entre los protagonistas de Domingo de agosto (Luciano Emmer, 1950) tenemos a una familia de domingueros que van a pasar el día a la playa de Ostia, único municipio de Roma en el mar Tirreno. Son las playas que circundan el fuerte de Elmina en Ghana las que ofrecen las imágenes más bellas y sugerentes de la película Cobra verde (Werner Herzog, 1987). Las orillas de Japón que aparecen en El intendente Sansho (Kenji Mizoguchi, 1954) son escenarios de dolor o de presagios funestos, como el de la última vez que vemos alejarse al padre exiliado con su corte marchando junto al mar. En 1958, Otto Preminger rodó en la Costa Azul Buenos días, tristeza, en la que el paisaje exuberantemente azul de la Riviera se convierte en el protagonista, en ella el mar y el cielo irradian una placidez y una desidia veraniega que envuelven al espectador y le llevan a evocar todos los recuerdos de baños de sol y de mar de la más feliz de las adolescencias. En Novio a la vista (Luis García Berlanga, 1954), el maestro valenciano se permite licencias como la invención de un lugar ficticio, que llama Lindamar y que realmente se trata de Benicàssim. En El recuerdo de Marnie (Hiromasa Yonebayashi, 2014), una chica de doce años, solitaria e introvertida, viaja a la casa de unos parientes lejanos ubicada en un paraje rural de Hokkaido, segunda isla más grande Japón, con los que encontrará la felicidad superando las reticencias iniciales debidas a su timidez. En Una mujer en la playa (Jean Renoir, 1947), el teniente Scott Burnett (Robert Ryan), en su desempeño como miembro de la Guardia Costera de los Estados Unidos, conoce a Peggy Butler (Joan Bennett), una hermosa mujer casada que vive en una casa junto a una playa de Malibú. La hija oscura (Maggie Gyllenhaal, 2021) pretendía rodarse en Nueva Jersey o en algún sitio entre Cape Cod y Maine, sin embargo la pandemia cambió sus planes y le abrió una oportunidad con la que ni siquiera soñaba, la de filmar en la isla griega de Spetses, en el Egeo, cerca del Peloponeso. En Torremolinos 73 (Pablo Berger, 2003), el principiante autor de películas erótico-educativas, grabadas con su mujer para venderlas en los países escandinavos, decide escribir y rodar su propia película en la playa de Torremolinos. Cannes, Niza y Mónaco aparecen en Atrapa a un ladrón (Alfred Hitchcock, 1955) como la quintaesencia del buen gusto, ya que todos sus personajes, desde los protagonistas a los figurantes, van vestidos en perfecta consonancia con el espacio en el que se desarrollan sus escenas, incluso las de la playa, donde Gary Grant, Grace Kelly y los demás bañistas hacen un alarde de suprema elegancia. En la escena inicial de La niebla (John Carpenter, 1980) un grupo de niños, alrededor de una fogata en la playa de una pequeña localidad de California, escucha con inquietud el terrorífico relato que al filo de la medianoche cuenta un viejo marinero sobre un naufragio acontecido en aquel mismo lugar cien años antes. Le llaman Bodhi (Kathryn Bigelow, 1991) se destacó por el respeto y la autenticidad en la representación de la cultura del surf, ya que la directora y su equipo trabajaron estrechamente con surfistas locales de Waimea Bay (Honolulu, Hawái) para capturar la esencia de este deporte. Náufrago (Robert Zemeckis, 2000) se rodó principalmente en las playas deshabitadas de isla de Monuriki, al norte de Fiyi,​ y su filmación se prolongó durante más de un año debido a que el equipo de producción tuvo que parar ocho meses las grabaciones para que Tom Hanks bajara de peso por exigencias de su personaje. Este muerto está muy vivo (Ted Kotcheff, 1989) nos lleva a una zona muy lujosa de Los Hamptons en la costa de Long Island (Nueva York). Y, finamente, la película Sólo Dios lo sabe (John Huston, 1957) nos traslada a la actual república de Trinidad y Tobago, donde se encuentran algunas de las playas más hermosas del mundo. Que disfruten con y de la lectura.

V.O 337 DERECHOS HUMANOS

La Fundación ReBross, editora de Versión Original, es una institución sin ánimo de lucro inscrita en el registro de ONG de Extremadura con el propósito de trabajar en la lucha contra la vulneración de los derechos humanos. Desde hace décadas mantiene una humilde colaboración en diversos proyectos necesitados de apoyo, como el sanitario en la región del río Purús en la Amazonía brasileña o el educativo en Perú, Ecuador y Colombia, y en programas para erradicar la mutilación femenina en Kenia y promover la atención tanto de refugiados en Líbano como de familias en riesgo de exclusión social en España. Las actividades que organiza la Fundación, las cuales nos permiten participar en dicha colaboración social, respetan la defensa del feminismo, espíritu este que coexiste con el respeto a la orientación sexual y a la identidad de género como parte fundamental de la libertad y de la dignidad de las personas para construir una sociedad más justa y equitativa; y, en consonancia con los derechos de seres humanos, dichas actividades siempre tienen en mente la defensa del medioambiente y el tratar de generar una responsabilidad que involucre a la sociedad civil en el cuidado de la naturaleza, comportamiento este que también incluye el respeto a los animales mediante la colaboración con programas animalistas por la vida, pues con ellos compartimos un planeta que todos tenemos la obligación de cuidar.

En este estudio sobre Los derechos humanos en el cine hemos pretendido denunciar su evidente vulneración señalada constantemente por el séptimo arte, ya sea con historias de ficción o a través de casos reales. Por un lado, estos filmes relatan la opresión y la persecución a la que se han visto sometidas muchas personas por motivos de raza, sexo, ideología o creencias religiosas, y, por otro, contribuyen a sensibilizar a la sociedad y dan a conocer el testimonio de aquellos que han tenido que luchar para poder construir un mundo más digno y más humano. Es por ello que os presentamos 30 películas que hacen referencia a los 30 artículos que componen la Declaración Universal de los Derechos Humanos (DUDH) proclamada como ideal común para todos los pueblos y naciones por la Asamblea General de las Naciones Unidas en París el 10 de diciembre de 1948.

Cada una de las películas que se recomiendan es este número especial se podría relacionar con varios de los artículos de la DUDH, pero como el objetivo de este editorial es resumir el contenido del estudio, resaltaremos aquellas obras en las que las vulneraciones de estos preceptos son más evidentes. Por ejemplo, en el supuesto de hecho del artículo 1 (“Todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos y, dotados como están de razón y conciencia, deben comportarse fraternalmente los unos con los otros.”) se podrían incluir Sangre de cóndor (Jorge Sanjinés, 1969), El pianista (Roman Polanski, 2002), Jojo Rabbit (Taika Waititi, 2019) y Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, 2020). Dentro de su artículo 2 (“Toda persona tiene todos los derechos y libertades proclamados en la DUDH, sin distinción alguna de raza, color, sexo, idioma, religión, opinión política o de cualquier otra índole, origen nacional o social, posición económica, nacimiento o cualquier otra condición.”) se encontrarían Los músicos de Gion (Kenji Mizoguchi, 1953), Adivina quién viene esta noche (Stanley Kramer, 1967), Grita libertad (Richard Attenborough, 1987), Arde Mississsippi (Mississipi Burning, Alan Parker, 1988), X-Men 2 (X2, Bryan Singer, 2003), Un Dios prohibido (Pablo Moreno, 2013) y Las Vencidas y no Derrotadas (Mau Cardoso, 2022). Su artículo 3 (“Todo individuo tiene derecho a la vida, a la libertad y a la seguridad de su persona.”) es claramente invocable en La Marsellesa (Jean Renoir, 1938). El artículo 4 (“Nadie estará sometido a esclavitud ni a servidumbre, la esclavitud y la trata de esclavos están prohibidas en todas sus formas.”) reclama su respeto en Antebellum (Gerard Bush y Christopher Renz, 2020). Así mismo, el artículo 6 (“Todo ser humano tiene derecho, en todas partes, al reconocimiento de su personalidad jurídica.”) está presente en Brat (Brother) (Aléksei Balabánov, 1997) y Pussy Riot: en lucha contra Putin (Denis Sneguirev, 2023). Por su parte, su artículo 8 (“Toda persona tiene derecho a un recurso efectivo ante los tribunales nacionales competentes, que la ampare contra actos que violen sus derechos fundamentales reconocidos por la constitución o por la ley.”) no es adecuadamente acatado en Incidente en Ox-Bow (William A. Wellman, 1943) y clama por hacerse valer en Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000). Entre las palabras del artículo 13, que consagran el derecho a la libre circulación y a la emigración, se cuelan las películas Retorno a Hansala (Chus Gutiérrez, 2008), Flee (Jonas Poher Rasmussen, 2021) y la reciente El Salto (Benito Zambrano, 2024). En el ámbito del artículo 16 (“Los hombres y las mujeres tienen derecho, sin restricción alguna por motivos de raza, nacionalidad o religión, a casarse y fundar una familia, y disfrutarán de iguales derechos en cuanto al matrimonio, durante el matrimonio y en caso de disolución del matrimonio.”), han de estar Freeheld, un amor incondicional (Peter Sollett, 2015) y Gett: el divorcio de Viviane Amsalem (Ronit y Shlomi Elkabetz, 2014). El artículo 19 (“Todo individuo tiene derecho a la libertad de opinión y de expresión; este derecho incluye el de no ser molestado a causa de sus opiniones, el de investigar y recibir informaciones y opiniones, y el de difundirlas, sin limitación de fronteras, por cualquier medio de expresión.”) es clave en el filme dramático Buenas noches, y buena suerte (George Clooney, 2005). Y sobre el resto de películas -Grita libertad (Richard Attenborough, 1987), También la lluvia (Icíar Bollaín, 2010), Cafarnaúm (Nadine Labaki, 2018), Se lo llevaron: Recuerdos de una niña de Camboya (Angelina Jolie, 2017), The Tower (Mats Grorud, 2019), Gaza mon amour (Tarzan Nasser y Arab Nasser, 2020), Farha (Darin J. Sallam, 2021) y Los colonos (Felipe Gálvez Haberle, 2023)-, puede sostenerse que inciden en la cláusula de cierre del artículo 30 (“Nada de la Declaración Universal de los Derechos Humanos podrá interpretarse en el sentido de que confiere derecho alguno al Estado, a un grupo o a una persona, para emprender y desarrollar actividades o realizar actos tendientes a la supresión de cualquiera de los derechos y libertades proclamados en esta Declaración.”).

En definitiva, este número 337 de la revista de cine Versión Original desea ser un estudio que ponga en valor ese cine que a lo largo de la historia ha conseguido ser un importante instrumento de lucha y reivindicación, capaz de hacer cambiar las mentes humanas y, desde la óptica y la sensibilidad de cada uno de sus creadores, intentando siempre conseguir un mundo más justo e igualitario a través del reflejo y de la denuncia en la pantalla de las injusticias y desigualdades que vienen produciéndose desde el origen de la humanidad.

Al tiempo de escribir estas últimas líneas no podemos ni debemos olvidar que actualmente se está produciendo en Gaza la mayor vulneración de los derechos humanos desde el genocidio nazi. Son ya cuatro meses de muerte, desprotección e impunidad los que han transcurrido sin que la comunidad internacional implemente medidas suficientes y efectivas que garanticen protección a la población civil, que aseguren el acceso a la ayuda humanitaria y que pongan fin a este insoportable e injustificable episodio. Las acciones militares de Israel en territorio palestino constituyen violaciones sistemáticas del derecho internacional calificables como crímenes contra la humanidad, entre las que se cuentan el empleo contra la población civil de armamento prohibido, el asesinato de miembros del personal civil de organismos que cumplían funciones humanitarias y el corte de suministros básicos. Por ello, desde este editorial nos sumamos al grito de protesta de la comunidad estudiantil en solidaridad con Palestina para el cese de la guerra y el exterminio de seres humanos.

V.O 336 AUTOBUSES

Autobús es una aféresis de la palabra griega autos y de la latina ómnibús. Ómnibus deriva del dueño de una tienda de sombreros, monsieur Omnès, quien, con un juego de palabras, llamó a su tienda Omnes Omnibus. La sombrerería estaba situada frente a una de las primeras estaciones de carruajes de Nantes (Francia) en 1823. Omnès es la resonancia en latín de omnes, que significa “todos”, y ómnibus, “para todos”. Los ciudadanos de Nantes poco después le dieron el apodo ómnibus al vehículo. Cuando el transporte tirado por caballos fue motorizado a partir de 1905, el ómnibus fue llamado autobús.

Un autobús, bus, ruta, camión, colectivo, flota, bondi, guagua, micro, villavesa u ómnibus es un vehículo diseñado para transportar numerosas personas a través de vías urbanas. Generalmente es usado en los servicios de transporte público urbano e interurbano y con trayecto fijo. La diferencia esencial entre un autocar y un autobús reside en la disposición interna de las plazas de los pasajeros. Los autocares están destinados a recorrer mayores distancias y alcanzar mayores velocidades. En cambio, los autobuses son vehículos de transporte público que reparten su aforo entre plazas sentadas y plazas de pie. 

En el presente estudio sobre este medio de transporte que está presente en nuestro día a día y en nuestros viajes, recomendaremos veintitrés películas en las que los autobuses o los autocares han sido su escenario o se han colado en algunas de sus escenas. En Sr. Gracias (Hiroshi Shimizu, 1936), el joven y apuesto conductor de un viejo autobús Ford, apreciado por todos por su amabilidad y buen hacer, va y viene cada día por la carretera de Amagi (Japón). Subida al cielo (Luis Buñuel, 1951) es una singular propuesta, que podríamos llamar bus movie, donde el maestro aragonés convierte el camión -como llaman en México a los autobuses- en protagonista relevante del relato, un personaje con nombre propio que sirve de casa y cama a Silvestre, el voluntarioso y alegre conductor dispuesto a adaptar la ruta a las necesidades de los viajeros. En Ocho horas de terror (Seijun Suzuki, 1957), un grupo de pasajeros, que está desesperado por llegar cuanto antes a Tokyo, acepta la alternativa de viajar en un destartalado autobús con destino a Hashimoto (Japón). En Sabotaje (Alfred Hitchcock, 1957), el autobús será el epicentro de la tragedia en una dilatada secuencia rodada con maestría y enorme precisión, en la que un joven viajará sin saberlo con un paquete que contiene una bomba hasta Piccadilly Circus (Londres). En Anita no pierde el tren (Ventura Pons, 2001), el autobús de la línea 39 ya no es un rutinario medio de transporte, sino símbolo y cómplice de las aventuras de Rosa María Sardá, encargado de abducirla y salvarla a tiempo en esas noches que se le confunden con sueños. El autobús de Montgomery (Alabama) se convirtió en El largo camino a casa (Richard Pearce, 1990) en el medio de protesta por la lucha de los derechos civiles después de que Rosa Parks, mujer negra y usuaria regular del sistema del transporte público, se negara a ceder su asiento a un pasajero blanco y fuera arrestada. Eureka (Shinji Aoyama, 2000) empieza en un entorno rural de Japón donde un autobús va recogiendo a una serie de pasajeros hasta que un hombre armado secuestra el vehículo con sus usuarios dentro. En La hora bruja (Jaime de Armiñán, 1985), una pareja de peliculeros recorre la Galicia rural en un autobús acondicionado como casa ambulante, que además sirve de escenario para su espectáculo de magia y cabina de proyección de cine clásico norteamericano en los pueblos que visitan. El autocar que el policía secuestra en medio de la ruta adquiere una especial relevancia en Ruta suicida (Clint Eastwood, 1974), porque, consciente de que todos los policías de Phoenix van a disparar contra él, lo blinda por dentro con planchas de acero soldadas con soplete. Priscilla es ese autobús que comienza siendo un cacharro viejo repleto de banderas suecas -con referencias constantes al gran grupo ABBA-, pero que termina por protagonizar un arco narrativo evolutivo propio de un personaje protagonista en Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (Stephan Elliot, 1994). La presencia del autobús urbano en Margaret (Kenneth Donnergan, 2011) apenas tiene lugar en dos o tres secuencias, pero su irrupción es clave en una historia que suscita un buen número de reflexiones y dilemas. En distintos autobuses viajará el anciano y enfermo protagonista de El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo (Gillies Mackinnon, 2021), provisto de su abono transporte y de una pequeña maleta que contiene sus pocas pertenencias y sus muchos recuerdos. En Mi amigo Dahmer (Marc Meyers, 2017), vemos que Jeffrey Dahmer viajaba a diario en autobuses cuando, siendo estudiante, asistía al Revere High School, cerca de Akron, en el estado de Ohio. El autobús atómico (The Atomic Bus, JamesFrawley, 1976) nace como respuesta al ramillete de películas catastrofistas que se rodaron en los setenta, su premisa es atractiva: un autobús atómico que puede viajar desde Nueva York a Denver sin repostar. En Mi vecino Totoro (Hayao Miyazaki, 1988), las hermanas protagonistas viajan cómplices, riendo y surcando el cielo, dentro del mullido y acogedor Gatobús, una de las escenas más entrañables y sin duda más gozosas del filme. En Super 8 (J.J. Abrams, 2011), un grupo de chicos de secundaria, que están rodando un cortometraje de zombies con la idea de presentarlo a un concurso, planifican sus proyectos viajando en un autobús escolar de color amarillento, adornado con líneas negras, que ya constituye uno más de los símbolos de Estados Unidos. En Speed (Jan de Bont, 1994), un joven policía de la ciudad de Los Ángeles se verá atrapado en un autobús urbano en el que hay una bomba que explotará si el vehículo reduce la velocidad a menos de 80 km/h. Un conductor de autobús recoge a un grupo de personas con destino a la población mexicana de San Juan, al que le espera un viaje plagado de inundaciones y deslizamientos de tierra, en The Wayward Bus (Victor Vicas, 1957). El padre del joven protagonista de Historia del Bronx (Robert De Niro, 1993) es un honrado conductor de autobús que sufre al ver a su hijo relacionándose con un conocido gánster. El secuestro de un autobús escolar es sin duda un motivo suficiente para que Harry el sucio (Dirty Harry, 1971) figure en este monográfico. En Un trabajo en Italia (Peter Collinson, 1969), una banda de ladrones perseguidos por la policía y la mafia intentan escapar con un cargamento de oro en un flamante autobús Big William. Un conductor de autobús inicia las rutinas diarias antes de ponerse al volante en Paterson (2016), una película llena de sensibilidad y poesía. En Jeepers Creepers 2 (Victor Salva, 2003), un autobús lleno de carnaza es el hábitat en el que, de una forma tan terrible como espectacular, el “creeper” –así se conoce al monstruo- puede dar rienda suelta a su imaginación y saciar su hambre a base de jóvenes. Y, en Bus Stop (Joshua Logan, 1950), el viaje se interrumpe por una inmensa nevada que bloquea el paso por carretera, lo que lleva a que los pasajeros y el conductor del autobús tengan que hacer una parada obligada. Que disfruten con y de la lectura.

V.O 335. Polémicas

El Festival de Cannes de 1961 continúa siendo la edición más relevante para el cine español. Hasta el momento, solo una película de nuestro país ha logrado alzarse con el galardón principal del certamen, la codiciada Palma de Oro, y fue ese año cuando lo consiguió uno de los directores más internacionales de nuestra cinematografía, el aragonés Luis Buñuel. Pero lo que a priori tendría que ser un orgullo nacional en su día provocó un terremoto que puso en jaque al régimen franquista ante la comunidad internacional. Viridiana fue la película en cuestión. Había supuesto el regreso de Buñuel a España, donde no realizaba una película desde los años 30, con la consiguiente expectación motivada por la vuelta de un director exiliado por su oposición a la dictadura y por la fiscalización a la que su trabajo iba a ser sometido, máxime cuando se trataba de un cineasta que desde sus comienzos, con la realización de Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), siempre llevó asociado el calificativo de provocador.

Ya desde el comienzo de su producción la película tuvo que enfrentarse a la censura. A Buñuel le obligaron a cambiar el desenlace, pues en el pretendido el personaje de Viridiana (Silvia Pinal) se adentraba en la habitación de un hombre, su primo Jorge (Paco Rabal), lo que, teniendo en cuenta que se trataba de una novicia, se antojaba inmoral para el régimen. Curiosamente, el cambio de esta secuencia daría pie a otra que resultaría mucho más controvertida, pues Buñuel decidió incluir en la secuencia al personaje de la criada, que se encontraría jugando a las cartas con Jorge, uniéndose a continuación Viridiana, que sería recibida por Jorge con la siguiente frase “Bien sabía yo que mi prima Viridiana terminaría jugando al tute conmigo”, lo que daba pie a una lectura mucho más inmoral, ya que podría estar sugiriendo la posibilidad de un ménage à trois. No obstante, dicho cambio pasó inadvertido, la censura no intervino y la versión final de la película fue la misma que hoy en día conocemos.

Volviendo al Festival de Cannes, Viridiana fue seleccionada representado a España con el beneplácito del franquismo, pero, una vez que consiguió el máximo reconocimiento del certamen, L’Osservatore Romano, el boletín oficial del Vaticano, lanzó un comunicado donde tildaba a la película de blasfema y sacrílega. La secuencia donde unos mendigos recreaban La última cena de Leonardo Da Vinci, con música de El Mesías de Georg Friedrich Händel sobre la vida de Cristo, desató la ira de la Iglesia, y el gobierno español, estrechamente vinculado a ella, se vio obligado a apuntarse a la persecución de la película prohibiendo su estreno. Viridiana no llegó a los cines españoles hasta diecisiete años después, cuando ya se había establecido la democracia.

Este es uno de los casos más polémicos de la historia del cine español y, precisamente, la polémica es el tema que abordamos en este número 335 de Versión Original, donde queremos que los lectores descubran o recuerden películas que se ocupan de un tema tan amplio y abierto a diversas lecturas y, de esta manera, conformar un monográfico lo más completo posible. Por ello, en las páginas de este ejemplar vamos a  encontrarnos con diferentes aproximaciones: por un lado, como en el caso de Viridiana, la polémica está alrededor de la película, por sus condiciones de producción y/o exhibición, o porque su temática ha generado revuelo entre el público, los gobernantes o colectivos concretos, a menudo suscitando cuestiones de ética y moral allí donde se ha proyectado, que incluso han provocado persecuciones a la propia película en forma de censura o de su prohibición, o que simplemente han generado un escándalo mediático casi siempre con la violencia, el sexo, la política o la religión como ejes principales de la controversia; por otro lado, están las películas donde la polémica es objeto de su propio argumento, es decir, que en su trama los personajes se ven envueltos en situaciones polémicas que se han desatado en el contexto de la historia que nos cuentan. Así, en este número encontramos una variedad de propuestas entorno a Polémicas en el Cine: La parada de los monstruos (Tod Browning, 1932),Éxtasis (Gustav Machatý, 1933), Ser o ser (Ernst Lubitsch, 1942), El milagro de Morgan Creek (Preston Sturges, 1944), Pánico en las calles(Elia Kazan, 1950), Julio César (Joseph L. Mankiewicz, 1953), Los demonios (Ken Russell, 1971), Lenny (Bob Fosse, 1974), Queridísimos verdugos (Basilio Martín Patino, 1975), Saló, o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975), Camada negra (Manuel Gutiérrez Aragón, 1977), Caniche (Bigas Luna, 1978), La vida de Brian (Terry Jones, 1979), A la caza (William Friedkin, 1980), Christiane F (Uli Edel, 1981),Canino (Yorgos Lanthimos, 2009), Silenced (Hwang Dong-Hyeok, 2011), Un dios salvaje (Roman Polanski, 2011), Noé (Darren Aronofsky, 2014), El veredicto (La ley del menor) (Richard Eyre, 2017), Gracias a Dios (François Ozon, 2018), Una joven prometedora (Emerald Fennell, 2020), La caza (Craig Zobel, 2020), Sparta (Ulrich Seidl, 2022) y Anatomía de una caída (Justine Triet, 2023). Que disfruten con y de la lectura.

V.O 334. Cine Español 2023

Como saben todos los lectores de Versión Original, en el mes de marzo nuestra revista dirige su mirada a las producciones cinematográficas españolas del año anterior, convirtiéndose a la vez en la publicación del Festival de Cine Español de Cáceres, que entre el 1 y el 16 marzo de 2024 celebrará su 31 edición. Al igual que venimos haciendo año tras año, con este ejemplar intentamos celebrar los dos proyectos culturales de la Fundación ReBross editando un número especial que difunda la calidad y la creatividad de nuestro cine. Así, el presente número 334 de Versión Original recoge recomendaciones de películas estrenadas en nuestro país durante el año pasado, las cuales reflejan el actual estado de gracia del cine español: Robot Dreams (por Guillermo Triguero), 20.000 especies de abejas (por Ángeles Pérez Matas), El maestro que prometió el mar (por Pepe Alfaro), Un amor (por Laura Bueno), La sociedad de la nieve (por Adolfo Monje), Chinas (por Sonia Martín), Cerrar los ojos (por Juan Luis Montoussé), Saben aquell (por Manuel Pozo), O Corno (por José Manuel Rodríguez Pizarro), Creatura (por María José Agudo), El amor de Andrea (por Pablo Pérez Rubio), Las chicas están bien (por María Medina), Te estoy amando locamente (por Blanca Rodríguez), Matria (por Bernardo Duarte Almeida), Asedio (por Francisco Mateos Roco), Irati (por Paula López), Campeonex (por Diego J. Corral), Kepler Sexto B (por Javi Aurre), Sica (por Sofía Otero-Escudero), La última noche de Sandra M. (por Guillermo Herráez), Nowhere (por Laura Pacheco-Jiménez), ¡Salta! (por Déborah Vukusic), Venus (por Francisco Collado), Hermana muerte (por Jorge Capote) y Mari(dos) (por Pedro García Cueto). 

Estamos muy orgullosos de nuestro Festival, el más longevo de España dedicado exclusivamente a promocionar, difundir y premiar el cine español, y el único cuyo objetivo final es colaborar en distintos proyectos sociales siempre necesitados de financiación. Durante tres décadas la Fundación ReBross (inscrita en el registro de Organizaciones No Gubernamentales de la comunidad de Extremadura con el número 117) ha logrado una importante proyección nacional del Festival, siendo prueba de ello el reconocimiento que recibe anualmente de los profesionales de la cinematografía que visitan nuestra ciudad y la distinción que en el año 2008 nos otorgó la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España al concedernos el Premio González Sinde por ser el único Festival en España que vincula el cine español con la solidaridad. Prueba de que el Festival de Cine Español de Cáceres es un evento cinematográfico con un prestigio consolidado a nivel nacional es la adhesión de RTVE como “Institución Socia” desde la pasada edición, cuyo convenio de colaboración entre los interesados persigue la difusión del Cine Español “participado” por la Corporación pública y la realización de la ayuda humanitaria que lidera nuestra Fundación.

El 31 Festival de Cine Español de Cáceres seguirá trabajando en la difusión del cine entre los jóvenes a través del programa de sensibilización Ver Cine Español Ayuda, cuyo objetivo es que los alumnos de infantil, primaria, secundaria, bachillerato y formación profesional conozcan la cinematografía de su país en pantalla grande, actividad esta que nuestro Festival considera importante fomentar entre los estudiantes, pues en definitiva serán ellos quienes determinarán el futuro de la exhibición cinematográfica en las salas de cine. Es por ello que llevamos trabajando más de tres décadas para que, como mínimo, los alumnos tengan una cita anual con el séptimo arte durante las distintas etapas de su formación académica. Destinada también a los jóvenes es la primera actividad de esta edición, una exposición, denominada Versión Original 30, donde podrán concurrir jóvenes artistas de hasta 35 años de edad con obras de pintura, dibujo, grabado e ilustración cuya temática general sea el Cine.    

El Festival de Cine Español de Cáceres se asienta en cuatro aspectos que consideramos imprescindibles: el cultural, que incluye la promoción y la divulgación del Cine Español en Extremadura; el humanitario, pues los beneficios provenientes de la recaudación obtenida en las distintas actividades que se organizan en el seno del mismo terminan convirtiéndose en sostén de diversos y esenciales proyectos humanitarios; el igualitario, por medio de la visibilización de la igualdad de género a través de las películas seleccionadas, la integración de mujeres en todos los departamentos técnicos y artísticos del evento, y la contratación de personal femenino, espíritu este que coexiste con el respeto a la orientación sexual y a la identidad de género como parte fundamental de la libertad y de la dignidad de las personas -solo promoviendo cotidianamente la pluralidad será posible construir una sociedad más justa, equitativa y respetuosa con la diversidad de todos los seres humanos-; y el medioambiental, asumiendo la responsabilidad de disminuir el impacto del evento, de conseguir que sea un Festival lo más ajustado posible a parámetros de sostenibilidad y de utilizarlo como una plataforma divulgativa para involucrar a la sociedad civil en el cuidado de la naturaleza, compromiso este que también incluye el respeto a los animales, con quienes compartimos un planeta que todos tenemos la obligación de cuidar. Que disfruten con y de la lectura.

V.O 333. Hollywood

El cine clásico de Hollywood fue una etapa de la cinematografía americana llena de ensoñación, glamour y excesos que hizo de su industria un icono global. Este periodo se circunscribe desde mediados de los años 30 hasta finales de la década de los 50, una época que muchos han idealizado y vanagloriado a lo largo de los años. Aunque es cierto que muchas de las películas más fascinantes de la historia del cine se llevaron a cabo durante este periodo, la verdad es que reinaba cierta tiranía dentro de los estudios cinematográficos más importantes de aquel momento. El cine clásico americano desprendió una inmensa corriente creativa y de grandes innovaciones, pero en aquel Hollywood también hubo totalitarismo y monopolio. A lo largo de los años, un puñado de cineastas han tomado Hollywood como tema central en sus filmes para indagar sobre las ventajas, locuras, crueldades, debilidades, vilezas y satisfacciones que se vislumbran cuando uno se inmiscuye en la perversa maquinaria de los sueños.

David Fincher dirige Mank (2020), un biopic sobre Herman Mankiewicz, guionista de Ciudadano Kane, que repasa el proceso de rodaje de la obra maestra de Orson Welles dirigida y estrenada en 1941. La película toma como base un guion escrito por Jack Fincher, padre del cineasta americano. Jean-Luc Godard estrenó en 1963 El desprecio, un homenaje a Fritz Lang -que en la película hace el papel de sí mismo- en una evidente proclamación de sus principios éticos con respecto al cine de Hollywood. Jerry Lewis, en Un espía en Hollywood (1961), arranca con un manifiesto aire documental mediante una toma aérea que nos acerca al espacio físico y mental en que se desarrollan los sueños americanos, Hollywood, con tomas de la imaginaria productora Paramutual, trasunto evidente de la original Paramount, a la vez que rinde un homenaje explícito a la vieja Mutual en la que Chaplin hizo sus mejores cortos cómicos. William Castle dirigió en 1951 Crimen en Hollywood, película sobre el asesinato de un director llamado William Desmond Taylor, quien fue hallado muerto de un disparo en su bungalow en 1922 y en cuya trama la Universal siempre negó haber tenido alguna implicación. Hugo Haas escribió, dirigió y produjo The Other Woman (1954), con un argumento propio del cine negro se permitió realizar una maliciosa denuncia del nepotismo imperante en los estudios hollywoodenses. William Wellman filmó en 1937 la primigenia versión de Ha nacido una estrella, donde una muchacha que aspira a convertirse en actriz viaja a Hollywood y allí inicia una relación con un famoso actor en decadencia que se empeña en convertirla en una nueva estrella de la canción introduciéndola en el mundo de los musicales cinematográficos. En Knight of Cups (2015), una película dramática experimental, Terrence Malick sigue a un guionista en una odisea por Los Ángeles y Las Vegas mientras emprende una serie de aventuras con figuras coloridas identificadas por siete cartas del tarot. En Babylon (2022), Damien Chazaelle cuenta una historia de ambición y de excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood. En el año 2016 Fernando Trueba decidió hacer un homenaje a los rodajes de los grandes estudios hollywodienses que contaron con cineastas españoles en la paupérrima España del Franquismo con la comedia La niña de tus ojos (1998). Herbert L. Strock dirigió Cómo hacer un monstruo (1958), que es uno de los varios títulos del cine estadounidense que, en la crucial década de los 50, aportaron su visión sobre la industria de Hollywood, haciendo cine sobre cine y realizando una reflexión sobre éste a la vez que un homenaje. Mel Brooks, con La última locura (1976), nos ofrece un satírico tributo al cine mudo norteamericano, donde el propio realizador interpreta a un director que propone a una productora al borde de la bancarrota lo que él considera una idea fantástica:  hacer una película muda. John Schlesinger nos cuenta en Como plaga de langosta (1975) las vivencias de un joven pintor que desea trabajar como decorador en un gran estudio cinematográfico en el Hollywood previo a la Segunda Guerra Mundial. Maria Schrader nos recuerda con Al descubierto (2022) cómo dos reporteras del New York Times publicaron una investigación periodística sobre los abusos sexuales del famoso productor Harvey Weinstein que desencadenó el movimiento #Metoo en todo el mundo y rompió décadas de silencio sobre el tema de las agresiones sexuales en Hollywood. Peter Bogdanovich nos ofrece en Así empezó Hollywood (Nickelodeon, 1976) un recuerdo nostálgico de los primeros años del cine, cuando un aspirante a abogado se muda a California donde acabará escribiendo guiones y asistiendo al nacimiento de las primeras productoras de Hollywood. En Somewhere (2010), Sofia Coppola desmitifica el glamour de Hollywood a través de su protagonista, un actor de gran éxito que vive en un lujoso hotel, conduce un ferrari y sale con bellas mujeres sin comprometerse con ninguna. George Huang nos presenta la comedia de humor negro El factor sorpresa (1994), donde un aprendiz de escritor comienza a trabajar en un estudio de Hollywood como asistente de un productor que personaliza la arrogancia, la misoginia y la tiranía. En Maps to the Stars (2014), David Cronenberg regresa al cine de fisicidad, al humor negro y al pánico existencial, volviendo a actuar como un cirujano que satiriza y revela la realidad que habita bajo la piel hollywoodiense. El director Richard Rush dirigió en 1980 Profesión: El especialista, una de las mejores sátiras sobre y contra Hollywood. Preston Sturges, con su película Los viajes de Sullivan (1941), nos invita a una maravillosa travesía en el tiempo al corazón de Hollywood en los años cuarenta, la etapa dorada de la meca del cine, que, ajena a la Segunda Guerra Mundial, no paraba de producir filmes. El realizador francés Michel Hazanavicius nos cuenta en The Artist (2011) la historia de una estrella del cine mudo que se encuentra en lo más alto de la fama y al que el desarrollo de las nuevas tecnologías de sonorización de las películas le lleva a ser olvidado por esa cinematografía a la que ha dedicado su vida. Con Al encuentro de Mr. Banks (2013), John Lee Hancock rememora los años en los que Walt Disney intentó sin descanso que la escritora australiana P.L. Travers le cediera los derechos cinematográficos de su primera y más popular novela, Mary Poppins, la cual fue finalmente llevada a la gran pantalla en 1964. Quentin Tarantino decidió homenajear no solo a su ídolo Leone, sino a todo Hollywood y a las víctimas de una fatídica noche, en Érase una vez en… Hollywood (2019). En Scream VI (2023), Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett insisten en la fórmula que Hollywood ha mantenido en las distintas sagas millonarias sin saber si finalmente será la última. Cautivos del mal (1952), de Vincente Minnelli, nos cuenta, por medio de flashback y del uso de voces en off, cómo un productor de éxito en horas bajas, manipulador y traicionero, interpretado por Kirk Douglas, pide el favor de un director, de una actriz y de un guionista a quienes en su momento ayudó a triunfar. Robert Aldrich nos cuenta la atormentada vida que comparten dos hermanas que fueron estrellas infantiles en Hollywood en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962). Con El crepúsculo de los dioses (1950), Billy Wilder nos ofreció un caramelo envenenado sobre la industria cinematográfica norteamericana, de la que él mismo formaba parte y cuyas luces y sombras conocía de primera mano. Que disfruten con y de la lectura.

V.O 332. Primera Guerra Mundial

Versión Original inicia el año con un estudio sobre la I Guerra Mundial que, como sabemos, asoló una buena parte de Europa entre los años 1914 y 1918, periodo que coincidió con el asentamiento de la industria cinematográfica. Es por ello que el conflicto también extendió sus nocivos efectos al ámbito del cine, ya que su producción disminuyó por la movilización militar de sus profesionales y la conmoción causada por la guerra llevó al público a limitar su asistencia a las salas. En cualquier caso, lo que es indiscutible es que el cine sobre la Gran Guerra marcó el comienzo del cine bélico y propagandístico, si bien el uso y el desarrollo del mismo no fueron iguales en todos los países.

Con un balance de 9 millones de soldados y de 7 millones de civiles muertos durante los combates, sin olvidar los 6 millones de personas que murieron por culpa del hambre, de las enfermedades y de la falta de recursos derivados del enfrentamiento, la Primera Guerra Mundial abrió un proceso histórico cuyas consecuencias se han extendido a aspectos muy significativos de las sociedades contemporáneas, incluidas las actuales, pero que poco han servido para que los seres humanos tomaran conciencia de los cuatro años de horror y muerte. La prueba es la situación bélica actual con guerras entre Estados, como en el caso de Ucrania, guerras civiles en las que facciones definidas cuentan con apoyo de diferentes países, como en Siria, y otras muchas contiendas que se encuentran activas en la actualidad.

Enmarcado en el conflicto entre israelíes y palestinos, que persiste desde al menos 1948, el ataque realizado por miembros del grupo palestino islamista Hamas contra poblaciones en el sur de Israel se ha convertido en el enfrentamiento más reciente, donde el Gobierno israelí ha declarado un estado de guerra cuyo final podría ser el exterminio del pueblo palestino.

El 19 de septiembre de 2023, mientras el mundo miraba los acontecimientos en Ucrania, Azerbaiyán lanzó una ofensiva contra fuerzas armenias dentro de Nagorno-Karabaj, una región disputada por Armenia y Azerbaiyán que se ubica dentro de las fronteras de Azerbaiyán reconocidas internacionalmente, pero que desde hace décadas ha estado gobernada de forma autónoma por una población de etnia armenia en la autodenominada y no reconocida República de Artsaj.

La guerra civil en Siria comenzó en 2011 después de que el Gobierno del presidente Bashar al Assad reprimiera violentamente una serie de manifestaciones en el país y de que numerosos grupos opositores tomaran las armas. Con el tiempo se configurarían cuatro grandes facciones: el régimen sirio -apoyado por Rusia-, las fuerzas kurdas, los grupos opositores y el grupo Estado Islámico en Iraq y Siria (ISIS, por sus siglas en inglés). Hasta el momento la guerra civil ha provocado al menos 350.000 muertes, según estimaciones de la ONU, además de 6,6 millones de desplazados, de los cuales 5,6 millones se encuentran como refugiados en países cercanos.

Los rebeldes hutíes se levantaron en 2015 y expulsaron al Gobierno de Yemen de su capital, Saná, dando inicio a una guerra civil que aún persiste. En este momento los hutíes, apoyados por Irán, controlan una parte del territorio y se enfrentan al Gobierno yemení, que cuenta con el favor de una coalición liderada por Arabia Saudita. De acuerdo con estimaciones de la ONU, en el año 2020 cerca de 233.000 personas habían muerto en Yemen desde el inicio de la guerra civil, 131.000 de las cuales perdieron la vida por causas indirectas.

En 2018, tras la llegada al poder del primer ministro Abiy Ahmed, Etiopía entró en una espiral de tensiones entre el Gobierno central y la región de Tigray, con la que existe un conflicto histórico. En noviembre de 2020 el primer ministro ordenó una operación militar contra el Frente de Liberación Popular de Tigray (TPLF). Eritrea se sumó luego a las operaciones contra el TPLF, dando inicio a un conflicto regional que aún persiste y en el cual se han hecho numerosas acusaciones de atrocidades contra la población de Tigray.

Los anteriores son solo algunos ejemplos de las 58 guerras actualmente activas, pero, si restringimos la lista, por no considerar en esta categoría la lucha armada contra el narcotráfico y el crimen organizado, obtenemos un balance de 23 conflictos que involucran hasta una treintena de países. Esta veintena de guerras afectan a más de 1.100 millones de personas (el 14% de la población mundial) y han provocado más de 6,9 millones de muertes, de ellas más de 108.000 sólo en el pasado año, generando una situación que provoca una inevitable reflexión cuando se aborda cualquier estudio relacionado con la guerra.

Al abordar la Gran Guerra, el cine ha creado algunas obras maestras de la historia del séptimo arte que os recomendamos en este número 332 de nuestra revista. Entre ellas destacan con luz propia las películas con intención pacifista, expresión de una visión compartida por todos los colaboradores de Versión Original. Estas son las 24 películas seleccionadas: Sin novedad en el frente (Lewis Milestone, 1930), mítica película antibélica que plasma los sentimientos, las sensaciones y las desilusiones de un grupo de estudiantes que son enviados al frente; en Hombres contra la guerra (Francesco Rosi, 1970) las tropas transalpinas sufren una estrepitosa derrota al atacar posiciones austriacas, provocando un motín de las diezmadas tropas italianas; La última orden (Josef von Sternberg, 1928) se basa en la vida de un general ruso que había servido en el ejército zarista y que se ve obligado a huir de Rusia tras la Revolución de 1917 para terminar trabajando como extra en una película de Hollywood; en Los que no fuimos a la guerra (Julio Diamante, 1962) dos familias se enfrentan y protagonizan episodios embarazosos porque cada una defiende a un bando distinto coincidiendo con la I Guerra Mundial en la España neutral; Cuatro de infantería (Westfront 1918) (Georg Wilhelm Pabst, 1930) es una película alemana antibelicista que trata la guerra en las trincheras del Frente Occidental desde el punto de vista de los soldados rasos; en La gran guerra (Mario Monicelli, 1959)  dos cobardes soldados italianos basan su amistad en la búsqueda de la supervivencia; en Capitán Conan(Bertrand Tavernier, 1996) una fracción del ejército francés sigue movilizada y es obligada a actuar tras la firma del armisticio; Sunset Song(Terence Davies, 2015) es un relato épico e intimista sobre la esperanza, la tragedia y el amor ambientado a principios de la Gran Guerra; ¡Armas al hombro! (Charles Chaplin, 1918) es un mediometraje donde Charlie sueña con grandes y divertidas hazañas en las trincheras y en las líneas enemigas; en Lobo (Naji Abu Nowar, 2014) un joven integrante de una tribu beduina se embarca en un peligroso viaje a través del desierto de Arabia durante la Primera Guerra Mundial; en El retorno del soldado (Alan Bridges, 1982) un oficial tendrá dificultades para reincorporarse a la vida civil una vez terminada la guerra porque padece amnesia; Ellos no envejecerán (Peter Jackson, 2018) es un documental que rinde homenaje a los soldados que participaron en la Gran Guerra, reflexionando sobre las secuelas ocasionadas por el conflicto; Tolkien (Dome Karukoski, 2019) es un biopic de J.R.R. Tolkien en su etapa de estudiante coincidiendo con el estallido de la Primera Guerra; en 1917 (Sam Mendes, 2019) dos jóvenes soldados británicos reciben la imposible misión de atravesar el territorio enemigo para evitar un mortífero ataque; Las cruces de madera (Raymond Bernard, 1932) nos muestra el infierno de las trincheras vivido por un grupo de reclutas franceses que se alistaron para defender a su país; El almirante (Andrey Kravchuk, 2008) es un drama histórico basado en la figura de un comandante del Ejército Blanco durante la guerra civil rusa; en Adiós a las armas (Frank Borzage, 1932) un periodista norteamericano se alista como voluntario en el cuerpo de ambulancias italiano para poder seguir de cerca el conflicto bélico; en Leyendas de pasión (Edward Zwick, 1994) el estallido de la I Guerra Mundial cambia drásticamente la plácida vida de una familia que vive en un rancho de Montana; en War Horse (Steven Spielberg, 2011) un joven y su caballo lucharán por sobrevivir a la contienda bélica y volver a estar juntos; en Largo domingo de noviazgo (Jean-Pierre Jeunet, 2004) una joven conocerá los horrores de la guerra al emprender un viaje en busca de su prometido; en Suburbios (Boris Banet, 1933) confluyen varias huelgas que son apoyadas por los trabajadores en una pequeña localidad de la Rusia zarista, pero las movilizaciones se ven frenadas por el súbito estallido de la guerra con Alemania; en Nos vemos allá arriba (Albert Dupontel, 2010) dos supervivientes de las trincheras montan una estafa sobre los monumentos a los muertos de la guerra; La gran ilusión (Jean Renoir, 1937) es una magnífica obra sobre la camaradería y las relaciones humanas que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Gran Guerra; y en Deathwatch (M. J. Bassett, 2002) varios soldados británicos, a la espera de ser rescatados, buscan refugio en el complicado entramado de las trincheras alemanas repletas de muertos en combate e infestadas de ratas. Que disfruten con y de la lectura.

V.O 331. Sesión Doble